première du concerto pour violon n°2 de serge prokofiev, il y a 90 ans aujourd’hui

 

 

Le 1^e décembre 1935, il y a 90 ans aujourd’hui, était créé à Madrid, le Concerto pour violon n°2 de Serge Prokofiev.

 

Le Concerto pour violon n°2 en sol mineur, op. 63 de Serge Prokofiev est souvent considéré comme l’une de ses œuvres les plus accessibles et poétiques. Contrairement à l’image parfois dure ou sarcastique de Prokofiev, ce concerto séduit par une ligne mélodique très expressive, en particulier dans le premier mouvement, où le violon entre seul, presque intimement, comme une voix humaine. La musique est directe, naturelle, émotive sans sentimentalité excessive. L’œuvre conserve la signature harmonique et rythmique de Prokofiev (modulations inattendues, tension sous-jacente), mais sans agressivité. La modernité y est souple, jamais abstraite, ce qui rend le concerto immédiatement intelligible, même pour un auditeur peu familier de la musique du XXᵉ siècle. Le final s’inspire de rythmes populaires espagnols (échos de castagnettes imitées par l’orchestre), donnant à la musique une énergie dansante, vive et ironique, typiquement prokofievienne, mais toujours élégante. Plutôt que de chercher la virtuosité éclatante, Prokofiev privilégie une virtuosité intérieure : finesse du timbre, legato expressif, gestion du souffle musical. Le violon n’écrase jamais l’orchestre, il dialogue constamment avec lui. L’orchestre est d’une grande lisibilité, jamais pesant. Les couleurs sont précises, les textures aérées, ce qui met en valeur le soliste sans le submerger — une qualité rare dans les concertos du XXᵉ siècle. Composée alors que Prokofiev voyageait beaucoup en Europe, l’œuvre mélange élan russe, élégance française et espagnolades rythmiques, ce qui contribue à son caractère universel et à sa popularité durable.

 

Janine Jansen joue le Concerto pour violon n°2 de Serge Prokofiev

 

Julia Fischer joue le Concerto pour violon n°2 de Serge Prokofiev

 

Sergei Prokofiev Violin concerto n°2 op.63

Allegro moderato 0:00 II. Andante assai 11:01 III. Allegro, ben moderato 21:29

 

David Oistrakh, violon

Philharmonia Orchestra

Alceo Galliera, conductor

 

En savoir plus…

https://fr.wikipedia.org/wiki/Concerto_pour_violon_no_2_de_Prokofiev

le compositeur italien, jean-baptiste lully, aurait 393 ans aujourd’hui

 

 

Le 28 novembre 1632, il y a 293 ans aujourd’hui, naissait à Florence, le compositeur italien naturalisé français, Jean-Baptiste Lully.

 

Jean-Baptiste Lully a dominé la vie musicale française sous Louis XIV et marqué durablement l’histoire de la musique. Il avait un sens exceptionnel du théâtre et comprenait parfaitement le rythme dramatique, la mise en valeur des émotions, le lien entre texte, musique et geste. Sa musique sert toujours l’action et le sens des mots. Sa maîtrise remarquable de la langue française adaptait la musique aux accents et à la prosodie française, rendait le texte clair et compréhensible, même chanté C’est une qualité essentielle du style musical français, par opposition à l’opéra italien plus virtuose.

 

Il était un grand organisateur et chef d’orchestre. Il a imposé une discipline stricte aux musiciens, une organisation moderne de l’orchestre, une précision rythmique nouvelle. On le considère comme l’un des pionniers de la direction d’orchestre. Il avait un sens aigu de la danse. À l’époque de Louis XIV, la danse est centrale. Lully excellait dans les rythmes dansables, la musique de ballet, la coordination parfaite entre musique et mouvements. Il était un compositeur inventif. Il innove en créant la tragédie lyrique, une forme d’ouverture solennelle (l’ouverture à la française), l’intégration du chœur, de l’orchestre et des solistes dans un ensemble cohérent

 

Au-delà de la musique, Lully était ambitieux, stratège, excellent pour obtenir privilèges, soutiens et monopoles. Cela lui a permis de contrôler la musique officielle pendant des années.

 

Jean-Baptiste Lully, Te Deum

1.Symphonie 0:00 2.Patrem immensae majestatis 8:48 3.Tu ad dexteram Dei sedes 16:12 4.Salvum fac populum tuum 21:25 5.Dignare, Domine 26:52 6.In Te, Domine, speravi 32:47

 

Les Arts florissants

William Christie, direction

 

Jean-Baptiste LULLY, Ouverture and Dances from «Le Bourgeois Gentilhomme» LWV 43

 

Les Siècles

François-Xavier Roth [direction]

 

Jean-Baptiste Lully, Orchestral Suite from 'Alceste'

Marche Des Combattans, Menuet, Loure Pour Les Pêcheurs, Echos, Rondeau De La Gloire, La Pompe Funèbre, Rondeau Pour La Fête Marine, Les Vents, La Fête Infernale - 1er Air, 2ème Air- Les Démons, Marche Des Assiégeants

 

Le Concert des Nations & Jordi Savall

 

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https://fr.wikipedia.org/wiki/Jean-Baptiste_Lully

la mezzo-soprano française, solange michel, aurait 113 ans aujourd’hui

 

 

Le 27 novembre 1912, il y a 113 ans aujourd’hui, naissait à Paris, la mezzo-soprano française, Solange Michel.

 

La mezzo-soprano Solange Michel (1913–2010) était particulièrement reconnue pour un ensemble de qualités vocales, musicales et dramatiques qui ont marqué durablement la scène lyrique française du XXᵉ siècle. Sa voix était ample et sombre, typique d’un mezzo dramatique, avec un registre grave très solide et expressif. Sa puissance contrôlée était capable de passer l’orchestre sans dureté, même dans les rôles les plus exigeants. Son timbre noble et austère, parfois qualifié de « hiératique », était parfaitement adapté aux personnages tragiques ou d’autorité. on excellente projection du texte, avec une diction française était remarquable. Elle possédait une intensité tragique exceptionnelle, donnant une profondeur psychologique rare à ses personnages, une autorité scénique naturelle, idéale pour les rôles de reines, de mères ou de figures fatales, une sobriété du jeu, privilégiant la vérité dramatique plutôt que l’effet spectaculaire. Sa grande intelligence stylistique, était aussi convaincante dans l’opéra français que dans Wagner ou le répertoire contemporain. Son sens aigu de la déclamation subliamit les œuvres de Christoph Willibald Gluck, Hector Berlioz ou Claude Debussy. Elle était totalement engagée  envers la musique de son temps, notamment dans des créations d’œuvres modernes au siècle dernier.

 

Solange Michel était admirée pour sa probité artistique, son refus du maniérisme et sa fidélité au sens dramatique des œuvres. Elle reste une référence pour les rôles tragiques du répertoire français (Didon, Cassandre, Orphée) et pour certaines incarnations wagnériennes chantées en français après-guerre.

 

Solange Michel, "Objet de mon amour," Orfeo et Euridyce" Gluck

 

Ambroise Thomas, Mignon Je connais une pauvre enfant…

 

Solange Michel, mezzo-soprano

Orchestre du Théâtre National de l'Ópera-Comique

André Cluytens, conductor

 

Pathé, 1953

 

Camille Saint Saëns, Samson et Dalila Printemps qui commence

 

Solange Michel, Dalila

Orchestre du Théâtre National de l'Ópera-Comique

André Cluytens, conductor

 

Pathé, 1953

 

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https://fr.wikipedia.org/wiki/Solange_Michel

première du « concerto pour orchestre » de witold lutoslawski, il y a 71 ans aujourd’hui

 

Le 26 novembre 1954, il y a 71 ans aujourd’hui, était créé à Varsovie, le Concerto pour orchestre de Witold Lutoslawski.

 

L’originalité du Concerto pour orchestre de Witold Lutosławski tient à la manière dont il renouvelle le genre tout en s’inscrivant dans une tradition ancienne. Contrairement au concerto classique, il n’y a pas de soliste unique. Chaque pupitre, voire chaque instrument, est traité comme un soliste à tour de rôle. L’orchestre tout entier devient le « héros » de l’œuvre. Cette idée s’inscrit dans la lignée du concerto grosso, mais avec un langage du XXᵉ siècle. L’œuvre met en valeur des rythmes complexes et motorisés, des contrastes extrêmes de dynamique, des textures orchestrales très différenciées. Chaque famille d’instruments (bois, cuivres, cordes, percussions) a ses moments de bravoure, ce qui en fait une pièce redoutable pour les orchestres.

 

Son langage est moderne mais accessible. Bien que composée entre 1950 et 1954, l’œuvre reste tonalement lisible, souvent modale, fortement rythmique et énergique, oin du sérialisme strict alors dominant. Lutosławski parvient à écrire une musique contemporaine mais immédiatement expressive, ce qui explique le succès durable de l’œuvre. Sans citer littéralement le folklore, le concerto intègre des rythmes et tournures d’inspiration polonaise, une énergie populaire stylisée. Cela répondait aussi aux contraintes du réalisme socialiste imposées en Pologne à l’époque, tout en conservant une authenticité artistique forte.

 

Witold Lutosławski - Concerto pour orchestre

00:00:00 I. Intrada. Allegro maestoso 00:07:12 II. Capriccio notturno e arioso. Vivace ∙ 00:13:31 III. Passacaille, toccata et chorale. Andante con moto

 

Orchestre symphonique de la WDR

Cristian Măcelaru, direction

 

Live 29 octobre 2022 à la Philharmonie de Cologne.

 

Witold Lutoslawski: Concerto for orchestra

 

RTV Slovenia Symphony Orchestra

Conductor: Miroslaw Jacek Blaszczyk

 

Ljubljana, Cankar hall, 21 April 2011

 

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https://fr.wikipedia.org/wiki/Concerto_pour_orchestre_de_Lutosławski

 

première de la symphonie n°4 de gustav mahler, il y a 124 ans aujourd’hui

 

 

Le 25 novembre 1901, il y a 124 ans aujourd’hui, était créée à Munich, la Symphonie n°4 de Gustav Mahler.

 

La Symphonie n°4 de Gustav Mahler (créée en 1901) est souvent considérée comme l’une de ses œuvres les plus accessibles, mais elle comporte plusieurs originalités marquantes qui la distinguent au sein de son cycle symphonique. Contrairement aux symphonies précédentes (immenses, parfois grandiloquentes), Mahler utilise ici un orchestre plus réduit, presque “classique”. Cela donne une transparence inhabituelle pour lui, rappelant parfois Haydn ou Mozart — mais toujours avec son langage personnel. La Quatrième est souvent décrite comme la plus sereine ou innocente des symphonies mahlériennes. Elle explore un monde naïf, pastoral, parfois humoristique, loin des tensions métaphysiques de la Deuxième ou la violence de la Troisième. Le dernier mouvement est une chanson pour soprano, Das himmlische Leben (“La vie céleste”), décrivant le paradis vu par les yeux d’un enfant. Mahler l’avait composée avant la symphonie, et toute l’œuvre est conçue comme une préparation progressive vers cette vision d’innocence.

 

C’est l’une des seules symphonies construites autour d’un mouvement vocal final déjà existant. La symphonie suit une progression originale : mouvement 1, un monde lumineux, mais plein d’ironie, comme un conte ; mouvement 2, un scherzo macabre, mené par un violon désaccordé volontairement (accordé un ton plus haut) — effet d’irréalité, de danse de la mort ; mouvement 3, un adagio d’une grande sérénité, souvent vu comme un avant-goût du paradis ; mouvement 4, l’enfant chante sa vision du ciel. C’est une narration spirituelle subtile, de l’humain vers le divin. Dans le deuxième mouvement, Mahler demande un violon solo accordé un ton plus haut, créant un timbre grinçant mais léger — censé représenter Freund Hein, une figure folklorique proche du joueur de violon de la mort. C’est un procédé orchestral singulier et très rare dans les symphonies de son époque. Mahler adopte ici un ton plus classique, transparent, presque néoclassique avant l’heure, tout en conservant sa richesse harmonique et ses couleurs orchestrales. La nostalgie d’un monde ancien (souvenirs d’enfance, folklore, simplicité) donne à l’œuvre son charme particulier.

 

Gustav Mahler, Symphony No 4

1 Bedächtig, nicht eilen 2 In gemächlicher Bewegung, ohne Hast 3 Ruhevoll, poco adagio 4 Sehr behaglich

 

Magdalena Kožená, mezzo-soprano

Lucerne Festival Orchestra

Claudio Abbado, conductor

 

Live recording. Lucerne, August 2009

 

Gustav Mahler Symphony No 4 in G major

 

Anne Schwanewilms, soprano

Radio Philharmonic Orchestra

Bernard Haitink, conductor

 

Amsterdam, September 201

 

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https://fr.wikipedia.org/wiki/Symphonie_no_4_de_Mahler

la soprano allemande, lili lehmann, aurait 177 ans aujourd’hui

 

 

Le 24 novembre 1848, il y a 177 ans aujourd’hui, naissait à Wurtzburg, la soprano allemande, Lili Lehmann.

 

Lilli Lehmann (1848–1929), grande soprano allemande, est considérée comme l’une des figures majeures de l’histoire du chant en raison de sa maîtrise parfaite du souffle et du legato, de son émission régulière et homogène sur toute la tessiture, de sa capacité rare à chanter aussi bien le répertoire colorature que les rôles dramatiques — un cas presque unique. Elle chantait un nombre impressionnant de rôles (plus de 170), allant de Mozart à Wagner. Elle était notamment célèbre pour son interprétation d’Isolde, de Brünnhilde et de Donna Anna. Elle possédait une lecture musicale remarquable, une forte sensibilité stylistique : elle savait adapter sa voix et son interprétation au style de chaque compositeur, une instinctive compréhension dramatique des personnages. Son charisme naturel se doublait d’un jeu expressif sans excès, mais d’une intensité dramatique notable, particulièrement dans Wagner.

 

Elle fut une enseignante influente et respectée. Son ouvrage « Meine Gesangskunst » (L’art du chant) reste une référence dans la pédagogie vocale. Elle insistait sur la compréhension anatomique du mécanisme vocal, ce qui était novateur à son époque. Co-fondatrice du Festival de Salzbourg, elle fut une figure influente de la vie musicale européenne jusqu’à un âge avancé.

 

Lilli Lehmann sings Isolde "Mild und leise wie er lächelt" – Liebestod

 

Recorded 2 July 1907, Berlin

 

Lilli Lehmann sings "Sempre libera" from "La traviata" on Columbia-Fonotipia 50354

 

recorded in 1907.

 

Lili Lehmann sings Sieglinde « Du bist der Lenz »

 

Recorded 2 July 1907, Berlin

 

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https://fr.wikipedia.org/wiki/Lilli_Lehmann