première du concerto pour piano de robert schumann, il y a 180 ans aujourd’hui

 

 

Le 4 décembre 1845, il y a 180 ans aujourd’hui, était  créé à Dresde, le Concerto pour piano de Robert Schumann.

 

Le Concerto pour piano en la mineur, op. 54 de Robert Schumann a marqué l’histoire de la composition musicale à plusieurs niveaux essentiels, tant sur le plan formel, esthétique qu’expressif. Avant Schumann, le concerto pour piano était souvent pensé comme une œuvre de virtuosité démonstrative, héritée de Mozart et amplifiée par Franz Liszt. Schumann rompt avec cette tradition : le piano n’est plus un soliste dominant opposé à l’orchestre. Il devient un partenaire égal, intégré dans une conversation musicale continue. Cette approche influence durablement le concerto romantique, notamment chez Brahms. Le concerto est novateur par son équilibre orchestral : l’orchestre annonce souvent les thèmes essentiels. Le piano prolonge, transforme et introspecte ces idées. Ce dialogue subtil crée une unité sonore nouvelle, loin de l’effet “soliste + accompagnement”.

 

À l’origine, le premier mouvement était une Fantaisie indépendante. Schumann la transforme en concerto en reliant étroitement les trois mouvements : des motifs récurrents assurent une continuité émotionnelle, les mouvements s’enchaînent presque sans rupture. Ce procédé annonce des formes cycliques que l’on retrouvera plus tard chez des compositeurs romantiques et post-romantiques. Contrairement à Liszt ou Chopin, Schumann privilégie l’expression intérieure, la poésie du geste pianistique, a profondeur harmonique plutôt que la brillance technique La virtuosité est présente, mais au service du discours émotionnel, non de la démonstration. Le concerto incarne l’idéal romantique : subjectivité, passion contenue, mélange de lyrisme et de conflictualité intérieure. Il reflète aussi la personnalité psychologique complexe de Schumann, souvent analysée à travers ses œuvres.

 

Ce concerto devient un modèle du concerto romantique “intégré”, préparant le terrain pour les concertos de Brahms, une vision plus symphonique du concerto au XIXᵉ siècle. Il reste aujourd’hui l’un des concertos pour piano les plus joués au monde.

 

Concerto para Piano de Robert Schumann com Martha Argerich ao Piano e a Gewandhausorchester, conduzida pelo maestro Riccardo Chailly

 

Robert Schumann: Klavierkonzert

(Auftritt) 00:00 ∙ I. Allegro affettuoso 00:30 ∙ II. Intermezzo. Andantino grazioso 15:44 ∙ III. Allegro vivace 20:31 ∙

 

Khatia Buniatishvili, Klavier

hr-Sinfonieorchester (Frankfurt Radio Symphony Orchestra)

Paavo Järvi, Dirigent

 

Rheingau Musik Festival 2012 ∙ Wiesbaden, Kurhaus, 23. August 2012 ∙

 

 

En savoir plus…

https://fr.wikipedia.org/wiki/Concerto_pour_piano_de_Robert_Schumann

le compositeur autrichien, anton webern, aurait 142 ans aujourd’hui

 

 

Le 3 décembre 1883, il y a 142 ans aujourd’hui, naissait à Vienne le compositeur autrichien Anton Weberrn.

 

L’originalité du compositeur Anton Webern tient à une combinaison unique de radicalisme musical, de concision extrême et de rigueur formelle, qui a profondément marqué la musique du XXᵉ siècle. Il pousse plus loin que quiconque l’idée que chaque note compte. Ses œuvres sont souvent très courtes (parfois moins d’une minute), mais d’une densité expressive maximale. Il élimine tout développement superflu au profit d’un langage extrêmement épuré. Une pièce de Webern peut contenir autant d’idées qu’un mouvement entier chez un compositeur romantique.

 

Aux côtés d'Arnold Schöenberg et Alban Berg, Webern appartient à la Seconde École de Vienne et adopte la technique dodécaphonique. Mais son originalité est de l’appliquer avec une symétrie presque mathématique : séries strictement organisées miroirs, rétrogrades, canons, équilibre soigneusement calculé entre hauteurs, rythmes et timbres. Sa musique anticipe une pensée quasi “scientifique” de la composition. Il développe de façon exceptionnelle l’idée de mélodie répartie entre plusieurs instruments, où une ligne musicale est fragmentée entre différents timbres. La couleur sonore devient aussi importante que la note elle-même. Cela influencera profondément la musique contemporaine et orchestrale.

 

Chez Webern, le silence n’est pas un vide, mais un acteur expressif : silences fréquents, notes isolées, respiration presque suspendue. Cette esthétique du fragment crée une tension et une intensité inédites. Bien que son catalogue soit restreint, Webern a exercé une influence majeure sur : le sérialisme intégral (Boulez, Stockhausen), la musique contemporaine d’après-guerre, une nouvelle manière de penser la forme musicale.

 

Anton Webern Cinq Pièces, op. 10 pour orchestre

 

Ensemble intercontemporain

Matthias Pintscher, direction

 

Enregistré en direct le 04.09.2018 à la Cité de la musique - Philharmonie de Paris

 

Anton Webern, String Quartet op28

I Mässig II Gemächlich III Sehr fliessend

 

Psappha Ensemble

Benedict Holland and Sophie Rosa, violins

Vicci Wardman, viola

Jennifer Langridge, cello

 

Anton Webern (1883-1945) String Trio op.20

1.Sehr langsam II.Sehr getragen und ausdrucksvoll

 

Psappha Ensemble

Benedict Holland - violin

Heather Wallington - viola

Jennifer Langridge – cello

 

Recorded Live on 19th February 2015 - The University of Manchester

 

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https://fr.wikipedia.org/wiki/Anton_Webern

première de l’opéra de camille saint-saëns, « samson et dalila », il y a 138 ans aujourd’hui

 

 

Le 2 décembre 1877, il y a 138 ans aujourd’hui, était créé à Weimar, « Samson et Dalila », opéra de Camille Saint-Saëns.

 

L’opéra Samson et Dalila (1877) de Camille Saint-Saëns est réputé pour plusieurs qualités majeures, à la fois musicales, dramatiques et stylistiques. Saint-Saëns déploie une écriture claire et expressive, mêlant lyrisme sensuel (les airs de Dalila), élan héroïque (les interventions de Samson), grandiose choral (le peuple hébreu, dimension quasi oratoriale). La musique est immédiatement mémorable sans être simpliste. Dalila est l’un des grands rôles de mezzo-soprano : ambiguë, séductrice, dangereuse. Ses airs, notamment « Mon cœur s’ouvre à ta voix », sont d’une séduction hypnotique. Samson incarne à la fois la force, la foi et la fragilité humaine : son évolution dramatique est très lisible musicalement. Saint-Saëns fait preuve d’un sens orchestral exceptionnel : couleurs chaudes et orientalisantes pour les Philistins, sobriété grave et noble pour les Hébreux, usage subtil des bois et des cordes pour créer tension, sensualité ou solennité. La célèbre Danse bacchanale est un exemple éclatant de cette maîtrise. Initialement pensé comme un oratorio, l’œuvre conserve une dignité biblique, une force morale et symbolique, tout en intégrant un théâtre passionnel très efficace. Contrairement à l’opéra wagnérien dominant à l’époque, Saint-Saëns privilégie la clarté formelle, le sens mélodique, l’élégance plutôt que la lourdeur orchestrale. Cela donne une œuvre ample mais équilibrée.

 

Saint Saens:"Samson et Dalila":"Amour! viens aider ma faiblesse"- Olga Borodina

 

Camille Saint-Saëns, Samson et Delilah, Act II: En ces lieux

 

Rise Stevens, Dalila

Mario de Monaco, Samson

Met Opera Orchestra

Fausto Cleva, conductor

 

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https://fr.wikipedia.org/wiki/Samson_et_Dalila

première du concerto pour violon n°2 de serge prokofiev, il y a 90 ans aujourd’hui

 

 

Le 1^e décembre 1935, il y a 90 ans aujourd’hui, était créé à Madrid, le Concerto pour violon n°2 de Serge Prokofiev.

 

Le Concerto pour violon n°2 en sol mineur, op. 63 de Serge Prokofiev est souvent considéré comme l’une de ses œuvres les plus accessibles et poétiques. Contrairement à l’image parfois dure ou sarcastique de Prokofiev, ce concerto séduit par une ligne mélodique très expressive, en particulier dans le premier mouvement, où le violon entre seul, presque intimement, comme une voix humaine. La musique est directe, naturelle, émotive sans sentimentalité excessive. L’œuvre conserve la signature harmonique et rythmique de Prokofiev (modulations inattendues, tension sous-jacente), mais sans agressivité. La modernité y est souple, jamais abstraite, ce qui rend le concerto immédiatement intelligible, même pour un auditeur peu familier de la musique du XXᵉ siècle. Le final s’inspire de rythmes populaires espagnols (échos de castagnettes imitées par l’orchestre), donnant à la musique une énergie dansante, vive et ironique, typiquement prokofievienne, mais toujours élégante. Plutôt que de chercher la virtuosité éclatante, Prokofiev privilégie une virtuosité intérieure : finesse du timbre, legato expressif, gestion du souffle musical. Le violon n’écrase jamais l’orchestre, il dialogue constamment avec lui. L’orchestre est d’une grande lisibilité, jamais pesant. Les couleurs sont précises, les textures aérées, ce qui met en valeur le soliste sans le submerger — une qualité rare dans les concertos du XXᵉ siècle. Composée alors que Prokofiev voyageait beaucoup en Europe, l’œuvre mélange élan russe, élégance française et espagnolades rythmiques, ce qui contribue à son caractère universel et à sa popularité durable.

 

Janine Jansen joue le Concerto pour violon n°2 de Serge Prokofiev

 

Julia Fischer joue le Concerto pour violon n°2 de Serge Prokofiev

 

Sergei Prokofiev Violin concerto n°2 op.63

Allegro moderato 0:00 II. Andante assai 11:01 III. Allegro, ben moderato 21:29

 

David Oistrakh, violon

Philharmonia Orchestra

Alceo Galliera, conductor

 

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https://fr.wikipedia.org/wiki/Concerto_pour_violon_no_2_de_Prokofiev

le compositeur italien, jean-baptiste lully, aurait 393 ans aujourd’hui

 

 

Le 28 novembre 1632, il y a 293 ans aujourd’hui, naissait à Florence, le compositeur italien naturalisé français, Jean-Baptiste Lully.

 

Jean-Baptiste Lully a dominé la vie musicale française sous Louis XIV et marqué durablement l’histoire de la musique. Il avait un sens exceptionnel du théâtre et comprenait parfaitement le rythme dramatique, la mise en valeur des émotions, le lien entre texte, musique et geste. Sa musique sert toujours l’action et le sens des mots. Sa maîtrise remarquable de la langue française adaptait la musique aux accents et à la prosodie française, rendait le texte clair et compréhensible, même chanté C’est une qualité essentielle du style musical français, par opposition à l’opéra italien plus virtuose.

 

Il était un grand organisateur et chef d’orchestre. Il a imposé une discipline stricte aux musiciens, une organisation moderne de l’orchestre, une précision rythmique nouvelle. On le considère comme l’un des pionniers de la direction d’orchestre. Il avait un sens aigu de la danse. À l’époque de Louis XIV, la danse est centrale. Lully excellait dans les rythmes dansables, la musique de ballet, la coordination parfaite entre musique et mouvements. Il était un compositeur inventif. Il innove en créant la tragédie lyrique, une forme d’ouverture solennelle (l’ouverture à la française), l’intégration du chœur, de l’orchestre et des solistes dans un ensemble cohérent

 

Au-delà de la musique, Lully était ambitieux, stratège, excellent pour obtenir privilèges, soutiens et monopoles. Cela lui a permis de contrôler la musique officielle pendant des années.

 

Jean-Baptiste Lully, Te Deum

1.Symphonie 0:00 2.Patrem immensae majestatis 8:48 3.Tu ad dexteram Dei sedes 16:12 4.Salvum fac populum tuum 21:25 5.Dignare, Domine 26:52 6.In Te, Domine, speravi 32:47

 

Les Arts florissants

William Christie, direction

 

Jean-Baptiste LULLY, Ouverture and Dances from «Le Bourgeois Gentilhomme» LWV 43

 

Les Siècles

François-Xavier Roth [direction]

 

Jean-Baptiste Lully, Orchestral Suite from 'Alceste'

Marche Des Combattans, Menuet, Loure Pour Les Pêcheurs, Echos, Rondeau De La Gloire, La Pompe Funèbre, Rondeau Pour La Fête Marine, Les Vents, La Fête Infernale - 1er Air, 2ème Air- Les Démons, Marche Des Assiégeants

 

Le Concert des Nations & Jordi Savall

 

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https://fr.wikipedia.org/wiki/Jean-Baptiste_Lully

la mezzo-soprano française, solange michel, aurait 113 ans aujourd’hui

 

 

Le 27 novembre 1912, il y a 113 ans aujourd’hui, naissait à Paris, la mezzo-soprano française, Solange Michel.

 

La mezzo-soprano Solange Michel (1913–2010) était particulièrement reconnue pour un ensemble de qualités vocales, musicales et dramatiques qui ont marqué durablement la scène lyrique française du XXᵉ siècle. Sa voix était ample et sombre, typique d’un mezzo dramatique, avec un registre grave très solide et expressif. Sa puissance contrôlée était capable de passer l’orchestre sans dureté, même dans les rôles les plus exigeants. Son timbre noble et austère, parfois qualifié de « hiératique », était parfaitement adapté aux personnages tragiques ou d’autorité. on excellente projection du texte, avec une diction française était remarquable. Elle possédait une intensité tragique exceptionnelle, donnant une profondeur psychologique rare à ses personnages, une autorité scénique naturelle, idéale pour les rôles de reines, de mères ou de figures fatales, une sobriété du jeu, privilégiant la vérité dramatique plutôt que l’effet spectaculaire. Sa grande intelligence stylistique, était aussi convaincante dans l’opéra français que dans Wagner ou le répertoire contemporain. Son sens aigu de la déclamation subliamit les œuvres de Christoph Willibald Gluck, Hector Berlioz ou Claude Debussy. Elle était totalement engagée  envers la musique de son temps, notamment dans des créations d’œuvres modernes au siècle dernier.

 

Solange Michel était admirée pour sa probité artistique, son refus du maniérisme et sa fidélité au sens dramatique des œuvres. Elle reste une référence pour les rôles tragiques du répertoire français (Didon, Cassandre, Orphée) et pour certaines incarnations wagnériennes chantées en français après-guerre.

 

Solange Michel, "Objet de mon amour," Orfeo et Euridyce" Gluck

 

Ambroise Thomas, Mignon Je connais une pauvre enfant…

 

Solange Michel, mezzo-soprano

Orchestre du Théâtre National de l'Ópera-Comique

André Cluytens, conductor

 

Pathé, 1953

 

Camille Saint Saëns, Samson et Dalila Printemps qui commence

 

Solange Michel, Dalila

Orchestre du Théâtre National de l'Ópera-Comique

André Cluytens, conductor

 

Pathé, 1953

 

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https://fr.wikipedia.org/wiki/Solange_Michel