le baryton canadien, gerald finley, a 66 ans aujourd’hui

 

Le 30 janvier 1960, il y a 66 ans aujourd’hui, naissait à Montréal le baryton canadien, Gerald Finley.

 

Gerald Finley est largement reconnu comme l’un des barytons les plus accomplis et admirés de sa génération, apprécié pour une combinaison rare de qualités vocales, techniques et d’interprétation artistique. Sa voix est souvent décrite comme chaleureuse, à la fois riche et veloutée, avec une belle résonance sur toute l’étendue du registre. Il maîtrise la respiration, les transitions entre registres et la ligne vocale avec une fluidité rare, ce qui donne des phrases longues et naturelles. Son chant allie précision musicale et diction très compréhensible, ce qui est particulièrement valorisé en lieder et mélodies. Il ne se contente pas de chanter juste ; il est reconnu pour son art dramatique et son intelligence d’interprétation, intégrant la musique et le texte avec sensibilité. Il est à l’aise dans un répertoire extrêmement large — du Mozart classique au Verdi, Wagner, Adams contemporain, et même la mélodie et le lied en plusieurs langues. Que ce soit des rôles comiques de Mozart, des personnages tourmentés de Verdi ou des rôles dramatiques modernes, il apporte profondeur psychologique et engagement scénique. 

 

Il a remporté plusieurs prix prestigieux (dont un Grammy Award) et est considéré comme une référence actuelle dans son art. Il est également reconnu pour sa personnalité humble, son engagement artistique et sa curiosité envers la musique nouvelle. 

 

Franz Schubert: An die Musik (orch. Reger)

 

Gerald Finley, bass-baritone

Berliner Philharmoniker

Daniel Harding, conductor

 

Recorded at the Berlin Philharmonie, 3 March 2018

 

Richard Wagner, Parsifal Amfortas: "Wehe! Wehe mir der Qual!"

 

Amfortas — Gerald Finley

Titurel — Jongmin Park

Orchestra of the Vienna State Opera

Semyon Bychkov, conductor

 

(Recorded 13th April, 2017, Vienna State Opera)

 

Mozart, Don Giovanni Act I, Finch'han dal vino

 

Gerald Finley (Don Giovanni)

Orchestra of the Age of Enlightenment

Vladimir Jurowski conductor r

 

Recorded at Glyndebourne, Lewes, Great Britain in 2010

 

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https://fr.wikipedia.org/wiki/Gerald_Finley

 

première des « kindertotenlieder » de gustav mahler, il y a 121 ans aujourd’hui

  

 

Le 29 janvier 1921, il y a 121 ans, étaient créés à Vienne, les « Kindertotenlieder », cinq lieder pour voix et orchestre, de Gustav Mahler.

 

Les Kindertotenlieder (1901–1904) de Gustav Mahler sont particuliers par leur sujet, leur traitement musical, leur place dans l’histoire du lied et par leur dimension existentielle. Le cycle met en musique cinq poèmes de Friedrich Rückert, écrits après la mort de deux de ses enfants. Mahler choisit donc un thème presque insoutenable : le deuil parental. À l’époque, traiter aussi directement la mort d’enfants dans une œuvre vocale n’est pas courant. Mahler en fait un sujet artistique majeur, sans sentimentalisme. Contrairement à beaucoup de musiques funèbres du XIXe siècle, Mahler évite l’emphase : pas de grandes explosions lyriques permanentes, une douleur contenue, une atmosphère de silence et de retenue L’originalité tient dans cette manière de suggérer la souffrance plutôt que de la montrer.

 

Mahler orchestre les lieder (ce ne sont pas de simples mélodies avec piano) en employant un orchestre est réduit, transparent, souvent chambriste. Il utilise des couleurs instrumentales très fines : hautbois plaintif, cor lointain, cordes voilées, absence fréquente de tutti. L’orchestre devient un espace psychologique, pas un accompagnement décoratif. Il transforme ainsi  le genre du lied. Ce ne sont plus des miniatures intimistes mais des poèmes symphoniques en miniature. On y retrouve des procédés symphoniques comme les motifs récurrents, les transitions longues, l’architecture globale du cycle. Les Kindertotenlieder se situent entre musique vocale et symphonie. L’originalité expressive du cycle vient de son ambiguïté : la musique cherche l’apaisement mais ne trouve jamais une résolution complète. Même le dernier lied, censé être plus lumineux, reste fragile. Mahler ne propose pas une consolation religieuse nette, mais une consolation humaine incertaine.

 

Mahler compose cette œuvre alors que ses propres enfants sont encore vivants. Mais en 1907, sa fille Maria meurt. Cela a renforcé l’impression que cette musique touche à une vérité universelle, presque prophétique. Les Kindertotenlieder annoncent le XXe siècle par une harmonie instable, des dissonances expressives, des tonalités flottantes. Mahler explore une musique du traumatisme intérieur, proche de ce que feront plus tard Berg ou Schoenberg. L’originalité des Kindertotenlieder réside dans leur capacité unique à unir un thème radical (la mort des enfants), une expression retenue et intérieure, une orchestration d’une finesse exceptionnelle, une forme entre lied et symphonie, une modernité émotionnelle et harmonique. C’est l’un des cycles les plus bouleversants de toute la musique vocale occidentale.

 

Gustav Mahler - Kindertotenlieder

00:00:26 1. Nun will die Sonn‘ so hell aufgehn 00:06:48 2. Nun seh‘ ich wohl, warum so dunkle Flammen 00:12:10 3. Wenn dein Mütterlein 00:17:44 4. Oft denk‘ ich, sie sind nur ausgegangen 00:20:38 5. In diesem Wetter, in diesem Braus

 

Brigitte Fassbaender, Mezzosopran

Sinfonieorchester des Norddeutschen Rundfunks

Klaus Tennstedt, Dirigent

 

Live aufgezeichnet am 20. Mai 1980 im Kieler Schloss.

 

Gustav Mahler Kindertotenlieder ("Songs on the Death of Children")

00:00 I. Nun will die Sonn’ so hell aufgeh’n ("Now the sun wants to rise as brightly") 06:14 II. Nun seh’ ich wohl, warum so dunkle Flammen ("Now I see why with such dark flames") 11:59 III. Wenn dein Mütterlein ("When your mama") 17:05 IV. Oft denk’ ich, sie sind nur ausgegangen! ("I often think that they have just stepped out") 20:32 V. In diesem Wetter ("In this weather")

 

Christa Ludwig, mezzo-soprano

Berliner Philharmoniker

Herbert von Karajan, conductor

 

Studio recording, 1975

 

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https://fr.wikipedia.org/wiki/Kindertotenlieder_(Mahler)

le chef d’orchestre allemand, wilhelm furtwängler, aurait 140 ans aujourd’hui

 

 

Le 25 janvier 1886, il y a 140 ans aujourd’hui, naissait à Berlin, le chef d’orchestre allemand, Wilhelm Furtwängler.

 

Wilhelm Furtwängler (1886–1954) est considéré comme l’un des plus grands chefs d’orchestre du XXᵉ siècle, surtout dans le répertoire germanique. Ses qualités étaient à la fois musicales, intellectuelles et spirituelles. Il ne dirigeait pas « à la mesure », mais au souffle. Il concevait la musique comme un organisme vivant, en perpétuelle transformation. Les tempos étaient flexibles, parfois très libres, mais toujours au service de la tension dramatique. Il excellait dans la gestion du temps musical, donnant l’impression que la musique « se crée » sous nos yeux. Ses interprétations sont célèbres pour leur puissance émotionnelle, parfois quasi métaphysique. Il recherchait la profondeur tragique, notamment chez Beethoven, Brahms, Bruckner et Wagner. Même dans les passages calmes, il maintenait une tension intérieure très forte.

 

Furtwängler était aussi compositeur et penseur. Il voyait la musique comme une expression spirituelle, pas comme une simple exécution fidèle du texte. Il se méfiait du « perfectionnisme mécanique » et de la rigidité métronomique. Sans être un technicien gestuel très précis, il inspirait une adhésion totale des musiciens. Les orchestres (Berlin Philharmoniker, Vienne, etc.) jouaient pour lui avec un engagement exceptionnel. Son autorité venait de sa vision plus que de la discipline. Il était maître dans les formes longues : symphonies de Beethoven (surtout la 9ᵉ), Bruckner, Tristan, Parsifal. Il savait bâtir des arcs dramatiques immenses, donnant un sentiment de fatalité et de nécessité.

 

Son choix de rester en Allemagne sous le régime nazi a terni son image, bien que son cas soit complexe et débattu. Musicalement, il reste une référence absolue (liberté, profondeur, vision intérieure), souvent opposée à Arturo Toscanini (clarté, précision, fidélité stricte au texte). Furtwängler était un chef-poète, habité par une conception presque mystique de la musique, capable de transformer une partition en expérience existentielle.``

 

Richard Wagner Tannhäuser - Ouvertüre

 

Wiener Philharmoniker

Wilhelm Furtwängler, conductor

 

Studio recording, Vienna, 2 & 3.XII.1952

 

Ludwig van Beethoven Symphony No. 5 in C minor, Op. 67

00:00 1. Allegro con brio 08:07 2. Andante con moto 19:18 3. Allegro. atacca 25:07 4. Allegro - Presto

 

Berlin Philharmonic Orchestra

Wilhelm Furtwängler, conductor

 

Ludwig van Beethoven, Symphonie n°9

 

Elisabeth Schwarzkopf, soprano

Elisabeth Höngen, alto

Hans Hopf, tenor

Otto Edelmann, bass

 

Bayreuth Festival Orchestra,

Wilhelm Furtwangler, conductor

 

Recorded live* on July 29. 1951

 

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https://fr.wikipedia.org/wiki/Wilhelm_Furtwängler

première de la symphonie n°3 « premier mai » de dmitri chostakovitch, il y a 96 ans aujourd’hui

 

 

Le 21 janvier 1930, il y a 96 ans aujourd’hui, était créée à Lenigrad, la Symphonie n°3 en mi bémol majeur op20, de Dmitri Chostakovitch.

 

La Symphonie n°3 en mi bémol majeur, op. 20 de Dmitri Chostakovitch (1929), souvent appelée « Le Premier Mai », possède des qualités marquées qui tiennent autant à son audace musicale qu’à son contexte historique et idéologique. Elle  est écrite en un seul mouvement continu, ce qui rompt avec la forme symphonique classique en plusieurs mouvements. La construction est évolutive, presque cinématographique : elle progresse par blocs contrastés plutôt que par développement thématique traditionnel. Cette forme libre donne une impression de mouvement collectif, adaptée à l’idée de masse et de célébration populaire. Chostakovitch fait preuve d’une maîtrise orchestrale exceptionnelle, surtout pour un compositeur d’à peine 23 ans. L’orchestration est très colorée (cuivres éclatants, bois incisifs), fortement rythmée, parfois volontairement brutale ou sarcastique. Les contrastes dynamiques sont frappants, allant de passages mystérieux à des explosions sonores quasi martiales. Le rythme est un moteur essentiel de l’œuvre. On y trouve des marches, des motifs répétitifs, une pulsation collective évoquant le travail, la foule, la mobilisation. Cette énergie donne à la symphonie un caractère direct, physique, presque militant. Le final fait intervenir un chœur, qui chante un texte célébrant le Premier Mai (fête internationale des travailleurs). Cette fusion entre symphonie et cantate est novatrice. Même si le texte peut sembler daté idéologiquement, l’effet musical reste impressionnant et théâtral.

 

La symphonie reflète une époque où le compositeur est encore libre, provocateur et moderniste, avant les contraintes du réalisme socialiste. On y perçoit de l’ironie, une certaine ambiguïté expressive, un enthousiasme qui peut être sincère ou subtilement distancié (débat fréquent chez les musicologues). Elle témoigne de l’effervescence artistique de l’URSS des années 1920. Elle illustre la tentative de créer une musique symphonique nouvelle, tournée vers le peuple et l’actualité politique. À ce titre, elle est essentielle pour comprendre l’évolution ultérieure du style de Chostakovitch. Même si elle est moins jouée que d’autres symphonies de Chostakovitch, elle reste une œuvre audacieuse, stimulante et révélatrice de son génie précoce.

 

Symphony No. 3 in E-flat major (subtitled First of May), Op. 20 by Dmitri Shostakovich

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Academy Capella Choir

Mariinsky Orchestra

Valery Gergiev, conductor

 

Dmitri Shostakovich: Symphony No. 3, Op. 20 "The First of May"

0:07 - Beginning 8:56 - Rehearsal 37 15:30 - Rehearsal 49 - Lento 17:56 - Rehearsal 52 - Allegro 29:18 - Rehearsal 98 - Moderato (entrance of the choir)

 

Azusa Pacific University Symphony Orchestra and Oratorio Choir

Christopher Russell, conductor

 

Recorded November 7, 2014 at the Haugh Performing Arts Center, Glendora, CA

 

 

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https://fr.wikipedia.org/wiki/Symphonie_no_3_de_Chostakovitch

première de la symphonie n°38 « prague » de wolfgang amadeus mozart, il y a 239 ans aujourd’hui

 

Le 19 janvier 1787, il y a 239 ans aujourd’hui, était créé à Prague, la Symphonie n°38 « Prague », de Wolfgang Amadeus Mozart.

 

La Symphonie n°38 en ré majeur, K. 504, dite « Prague », de Wolfgang Amadeus Mozart se distingue par sa structure en trois mouvements (sans menuet), choix original et audacieux. Le premier mouvement comporte une longue introduction lente, très travaillée, qui crée une forte tension dramatique. L’ensemble est construit avec une logique et un équilibre remarquables. Les bois jouent un rôle essentiel, dialoguant constamment avec les cordes. L’écriture orchestrale est claire, élégante et expressive, avec de beaux contrastes sonores. Mozart exploite pleinement les couleurs de l’orchestre classique.

 

La symphonie présente une intensité dramatique inhabituelle, notamment dans le premier mouvement. L’influence de l’opéra est perceptible : les thèmes sont chantants et très expressifs. Les modulations et contrastes renforcent la tension et l’émotion. Le Andante central est lyrique, tendre et profond. Le Presto final est vif, brillant et plein d’énergie. Chaque mouvement possède une identité forte, tout en conservant une unité d’ensemble. La Symphonie « Prague » est une œuvre majeure de par sa profondeur expressive, son orchestration soignée, son sens dramatique proche de l’opéra et sa grande maturité stylistique. Elle annonce les grandes symphonies de la fin de la vie de Mozart et témoigne de son génie à son apogée.

 

Wolfgang Amadeus Mozart - Symphony No. 38 in D major „Prague” K.504 0:22

I. Adagio-Allegro 13:22 II. Andante 20:54 III. Finale Presto

 

Czech Philharmonic Orchestra

Manfred Honeck - conductor

 

2006

 

Wolfgang Amadeus Mozart Symphony n°38 K.504 "Prague"

I. Adagio - Allegro 0:00 II. Andante 13:13 III. Finale. Presto 21:19

 

Philharmonia Orchestra

Otto Klemperer, conductor

 

tudio recording, London, 20, 23 & 24.VII.1956

 

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https://fr.wikipedia.org/wiki/Symphonie_no_38_de_Mozart

 

première du concerto pour violon d’édouard lalo, il y a 152 ans aujourd’hui

 

 

Le 18 janvier 1874, il y a 152 ans aujourd’hui, était créé à Paris, le Concerto pour violon d’Edouard Lalo.

 

Le Concerto pour violon en fa majeur d’Édouard Lalo (1874) est apprécié pour sa virtuosité élégante (traits rapides, doubles cordes, passages en hauteur), son écriture chantante, qui permet au soliste d’exprimer une grande variété de couleurs, son équilibre réussi entre technicité et musicalité. Il se distingue par des mélodies lyriques et mémorables, un caractère souvent passionné, parfois dramatique, des contrastes expressifs marqués entre énergie, tendresse et intensité. L’orchestre n’est pas un simple accompagnateur. il dialogue activement avec le soliste, les timbres sont variés et bien exploités, l’orchestration contribue à créer une atmosphère chaleureuse et parfois exotique.

 

Comme dans sa Symphonie espagnole, Lalo intègre des rythmes et accents hispanisants et une vitalité rythmique qui donne du caractère et de l’originalité à l’œuvre. Le concerto respecte la forme classique en trois mouvements, tout en restant souple et vivant, avec une construction solide qui maintient l’intérêt de l’auditeur. Il séduit par sa brillance, son expressivité, son sens de la couleur et son équilibre entre tradition et originalité. C’est une œuvre à la fois accessible et raffinée, très appréciée des violonistes comme du public.

 

Edouard Lalo, Violin Concerto in F major, Op. 20 (1873) Dedication: à son ami Pablo de Sarasate

1. Andante — Allegro (0:00) 2. Andantino (16:00) 3. Allegro con fuoco (21:58)

 

Woo Hyung Kim, violin

Orchestre Philharmonique Royal de Liège

Conductor, Jean-Jacques Kantorow

 

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Woo Hyung Kim, violin and the Orchestre Philharmonique Royal de Liège conducted by Jean-Jacques Kantorow

première de la sonate pour deux pianos et percussions de bela bartok, il y a 88 ans aujourd’hui

 

 

Le 16 janvier 1938, il y a 88 ans aujourd’hui, était créée à Bâle, la Sonate pour deux pianos et percussions de Bela Bartok.

 

La Sonate pour deux pianos et percussions de Béla Bartók (1937) est considérée comme l’une de ses œuvres majeures. Ses qualités tiennent à la fois à l’originalité de l’effectif, à la richesse rythmique et à la force expressive. Bartók traite les percussions comme de véritables instruments mélodiques, pas seulement rythmiques. Le dialogue entre deux pianos et xylophone, timbales, cymbales et grosse caisse crée des couleurs sonores inédites et très équilibrées. Le rythme est au cœur de l’œuvre : superpositions complexes, asymétries, pulsations inspirées des danses populaires d’Europe centrale et balkanique. Cette énergie rythmique donne à la sonate une vitalité presque primitive.

 

Malgré la modernité du langage, la structure reste très lisible. 1er mouvement : forme sonate rigoureuse. 2e mouvement : lent, mystérieux, nocturne (typique du style de Bartók), 3e mouvement : vif et dansant. Bartók réussit à concilier modernité et clarté classique. L’œuvre explore une large palette d’ambiances : tension et violence, mystère nocturne, joie rythmique presque sauvage. Les contrastes sont puissants sans jamais être gratuits. Bartók intègre des éléments du folklore (modes, rythmes, cellules mélodiques) sans citation directe, les transformant en un langage personnel et moderne. Chaque instrument est mis en valeur :virtuosité pianistique, précision percussive, véritables échanges thématiques. L’ensemble fonctionne comme une conversation musicale parfaitement équilibrée. Cette sonate est remarquable par son audace sonore, sa puissance rythmique, son équilibre formel et sa force expressive.

 

Bela Bartok - Sonata for Two Pianos and Percussion, Sz. 110, BB 115 (1937)

 

Sir Georg Solti & Murray Perahia, pianos

Dame Evelyn Glennie and David Corkhill, percussion

 

Bela Bartok - Sonata for Two Pianos and Percussion, Sz. 110, BB 115 (1937)

 

Yael Keret & Assaff Weisman, Pianos

Dan Moshayev and Amir Lavie, Percussion

 

Live performance at Elma Arts Center, Israel. June, 2018

 

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https://fr.wikipedia.org/wiki/Sonate_pour_deux_pianos_et_percussion