la mezzo-soprano française, hélène bouvier, aurait 121 ans aujourd’hui

  

 

Le 20 juin 1905, il y a 121 ans aujourd’hui, naissait à Paris, la mezzo-soprano Hélène Bouvier.

 

La réussite d’Hélène Bouvier s’explique par une combinaison assez rare de qualités vocales, artistiques et de circonstances historiques. Elle était particulièrement associée à l’opéra français. Sa voix de mezzo-soprano, avec des couleurs de contralto, possédait une grande richesse de timbre, une diction exemplaire et une capacité d’expression dramatique très appréciée dans des rôles comme Carmen, Dalila, Charlotte de Werther ou Geneviève de Pelléas et Mélisande. À une époque où l’on attendait des chanteurs qu’ils soient aussi des acteurs convaincants, elle excellait dans les personnages nobles, tragiques ou psychologiquement complexes. Ses interprétations de rôles wagnériens comme Fricka, Brangäne ou Ortrud étaient particulièrement admirées.

 

Après ses débuts à Nantes en 1930, elle chanta au prestigieux Teatro Colón puis à l’Opéra de Paris, à l’Opéra-Comique, à La Scala, à La Monnaie, ainsi qu’à Dresde, Leipzig et dans plusieurs festivals européens. Cette visibilité internationale a largement contribué à sa réputation. Elle ne s’est pas limitée aux œuvres du répertoire. Elle participa à des créations importantes de compositeurs du XXe siècle, notamment le Requiem de Maurice Duruflé et Bolivar de Darius Milhaud. Elle fut également remarquée dans Antigone d’Arthur Honegger et Œdipus Rex d’Igor Stravinsky. Après la Seconde Guerre mondiale, la France cherchait à remettre en valeur son patrimoine lyrique. Hélène Bouvier incarnait parfaitement l’« école française de chant » : élégance du style, clarté de la diction et intelligence musicale. Elle est ainsi devenue l’une des figures majeures de l’opéra français des années 1940 à 1960.  

 

Son succès fut immense dans le monde lyrique, mais sa notoriété actuelle est plus discrète parce que sa carrière s’est déroulée avant l’ère de la télévision et des enregistrements massifs. Elle a laissé des disques appréciés des mélomanes, notamment Samson et Dalila et L’Enfance du Christ, mais moins nombreux que ceux de certaines vedettes internationales de sa génération.  

 

Ravel's song-cycle to texts by Jules Renard sung by mezzo-soprano Hélène Bouvier and pianist Louis Saguer.

I. Le paon (The Peacock) Sans hâte et noblement 0:00

II. Le grillon (The Cricket) Placide 4:07

III. Le cygne (The Swan) Lent 7:00

IV. Le martin-pêcheur (The Kingfisher) On ne peut plus lent 10:40

V. La pintade (The Guinea Hen) Assez vite 13:12

 

Paris 1959

 

Camille Saint-Saëns, Samson et Dalila (1877) Mon coeur s'ouvre à ta voix

 

Hélène Bouvier, soprano

José Luccioni, tenore

 

Paris, 1951

 

Claude Debussy, Proses lyriques

I. "De rêve" 0:00 II. "De grève" 5:43 III. "De fleurs" 9:10 IV. "De soir" 14:39

 

Hélène Bouvier, mezzo-soprano

Jacqueline Brisson, piano.

 

Live 1957

 

https://fr.wikipedia.org/wiki/Hélène_Bouvier

première du concerto pour piano d’andré jolivet, il y a 75 ans aujourd’hui

  

 

Le 19 juin 1951, il y a 75 ans aujourd’hui, était créé à Strasbourg, le Concerto pour piano d’André Jolivet.

 

Le Concerto pour piano d’André Jolivet tient surtout à son ambition de créer un langage musical inspiré de traditions extra-européennes sans les citer littéralement. Composé en 1949-1950, il mêle des éléments rythmiques et mélodiques venus de diverses cultures du monde à une écriture moderne très personnelle. Chaque mouvement évoque un univers différent — influences centrafricaines dans le premier, extrême-orientales dans le second, polynésiennes dans le troisième. Jolivet ne cherche pas le folklore pittoresque mais l’assimilation de principes rythmiques et modaux. Le concerto est animé par une énergie percussive et des pulsations souvent incantatoires, héritées de l’intérêt de Jolivet pour les fonctions magiques et rituelles de la musique. Plutôt que de suivre les modèles tonals traditionnels, l’œuvre utilise des modes libres qui produisent des couleurs harmoniques parfois rugueuses, ce qui choqua une partie du public lors de la création. Le piano n’est pas seulement un soliste brillant face à l’orchestre ; il participe à une vaste architecture sonore où les timbres et les rythmes jouent un rôle aussi important que la virtuosité.  

L’œuvre fut créée dans un climat de véritable scandale au Festival de Strasbourg en 1951 : sifflets, cris et polémiques accompagnèrent la première audition. Aujourd’hui, elle est considérée comme l’un des sommets de la production de Jolivet et comme une œuvre majeure du concerto français du XXᵉ siècle. Si vous l’écoutez, prêtez particulièrement attention au troisième mouvement, Allegro frenetico, où la puissance rythmique et le caractère presque cérémoniel de la musique apparaissent avec le plus d’évidence.

 

Concerto pour piano et orchestre - André Jolivet

1. Allegro deciso 2. Andante con moto 3. Allegro frenetico

Piano, Pascal Gallet

Orchestre philharmonique de l'Université nationale autonome du Mexique

Direction, Iván López Reynoso

 

https://fr.wikipedia.org/wiki/Concerto_pour_piano_de_Jolivet

le ténor américain, jan peerce, nous a quitté il y a 122 ans aujourd’hui

  

 

Le 3 juin 1904, il y a 122 ans aujourd’hui, naissait à New York, le ténor américain, Jan Peerce.

 

La principale spécificité de Jan Peerce était d’être un ténor à la fois héritier du bel canto et doté d’une émission très directe, brillante et robuste, avec une diction exceptionnellement claire. Contrairement à beaucoup de ténors héroïques de son époque, il n’avait pas une voix gigantesque, mais une projection remarquablement efficace et un aigu sûr qui lui permettaient de chanter aussi bien les opéras italiens que le répertoire français ou les œuvres de concert.  

 

Il fut également l’un des grands ténors du Metropolitan Opera au milieu du XXᵉ siècle, tout en restant très attaché à ses racines juives : il était célèbre pour ses interprétations de chants liturgiques hébraïques, qu’il enregistrait et chantait en concert parallèlement à sa carrière lyrique. Cette double carrière de vedette de l’opéra et de chantre du répertoire juif est assez unique parmi les grands ténors américains.

 

Les amateurs apprécient particulièrement chez lui la franchise de l’émission vocale, la luminosité du timbre, l’intelligibilité du texte, un style très naturel, peu affecté, une longévité vocale remarquable. 

 

Jan Peerce "Vesti la giubba" on The Ed Sullivan Show, August 16, 1959.

 

Act I excerpt & "Che gelida manina" from Puccini's "La bohème" sung by Jan Peerce (Rodolfo), Frank Valentino (Marcello), Nicola Moscona (Colline), George Cehanovsky (Schaunard), and Licia Albanese (Mimì). Arturo Toscanini conducts the NBC Symphony Orchestra.

 

February 3, 1946 radio broadcast from NBC Studio 8-H, New York,

 

Robert Merrill & Jan Peerce - Invano Alvaro [La forza del destino]

 

première du ballet d’igor stravinsky, « le sacre du printemps » il y a 113 ans aujourd’hui

 

Le 29 mai 1913, il y a 113 ans aujourd’hui, était créé à Paris, « Le Sacre du printemps », ballet d’Igor Stravinsky.

 

Le 29 mai 1913, lors de la création du ballet « Le Sacre du printemps » au Théâtre des Champs-Élysées, il se produisit l’un des scandales les plus célèbres de l’histoire de la musique et de la danse. Plusieurs éléments ont choqué les spectateurs. La musique d’Igor Stravinsky était extrêmement novatrice : rythmes violents, dissonances, ruptures inattendues et énergie primitive. La chorégraphie de Vaslav Nijinski rompait avec les codes du ballet classique : pieds tournés vers l’intérieur, mouvements lourds, sauts brutaux et gestes inspirés de rites païens. Le sujet lui-même était dérangeant : une jeune fille est choisie pour être sacrifiée afin de célébrer le retour du printemps.

 

Dès les premières mesures, une partie du public éclata de rire, puis des huées et des protestations se firent entendre. Rapidement, les partisans de l’œuvre répondirent aux détracteurs, provoquant un vacarme tel que les danseurs n’entendaient plus l’orchestre. En coulisses, Nijinski devait crier les comptes des pas aux interprètes, tandis que l’impresario Serge Diaghilev faisait allumer et éteindre les lumières de la salle pour tenter de calmer les esprits. La légende parle souvent d’« émeute ». Les historiens pensent aujourd’hui qu’il y eut surtout un immense chahut, avec cris, insultes, sifflets et disputes, plutôt qu’une véritable bataille générale. Mais l’événement fut suffisamment spectaculaire pour entrer dans l’histoire culturelle du XXᵉ siècle.  

 

Ce qui scandalisa le public en 1913 est aujourd’hui considéré comme l’une des œuvres les plus influentes de la musique moderne. Le « Sacre du printemps » est désormais un classique du répertoire orchestral et chorégraphique. Fait intéressant : la répétition générale de la veille s’était déroulée dans le calme, en présence de compositeurs comme Claude Debussy et Maurice Ravel. Personne n’avait anticipé l’ampleur du tumulte du lendemain. 

 

 

Igor Stravinsky, Le Sacre du printemps

 

Théâtre Mariinki

Valery Gergiev, direction

(Hommage à un immense chef interdit en raison de l'immense bêtise humaine) 

 

Stravinsky The Rite of Spring // London Symphony Orchestra/Sir Simon Rattle

 

https://fr.wikipedia.org/wiki/Le_Sacre_du_printemps

 

première de la symphonie n°6 « tragique » de gustav mahler, il y a 120 ans aujourd’hui

 

Le 27 mai 1906, il y a 120 ans aujourd’hui, était créée à Essen, la Symphonie n°6 de Gustav Mahler.

 

La Symphonie n° 6 en la mineur de Gustav Mahler (1903-1904), souvent surnommée « Tragique » (bien que Mahler lui-même n’ait pas retenu officiellement ce titre), occupe une place particulière dans son œuvre pour plusieurs raisons. Contrairement à beaucoup d’autres symphonies de Mahler, qui traversent des crises pour aboutir à une forme de rédemption ou de transcendance, la Sixième suit un chemin inverse : elle commence avec une énergie déterminée et héroïque et se termine dans un effondrement total, sans consolation ni victoire. C’est la seule de ses grandes symphonies à se conclure de manière aussi sombre et définitive.

 

La Sixième est l’une des symphonies mahlériennes les plus proches du modèle symphonique traditionnel : quatre mouvements clairement définis, une forte cohérence thématique, une architecture rigoureuse héritée de Ludwig van Beethoven et de Anton Bruckner. Elle est moins fragmentée et moins « narrative » que les symphonies n°2, n°3 ou n°8. Mahler est célèbre pour avoir intégré des chœurs et des solistes dans plusieurs de ses symphonies : n°2 (Résurrection), n°3, n°4, n°8 (Symphonie des Mille). La Sixième est purement instrumentale, ce qui renforce son caractère abstrait et implacable.

 

Dans le premier mouvement apparaît un thème lyrique que Mahler associait à son épouse, Alma Mahler. Ce thème lumineux contraste avec la marche sombre qui domine l’œuvre. Ce mélange entre amour, tendresse et fatalité est une des signatures émotionnelles de la symphonie. Les coups de marteau du finale sont l’élément le plus célèbre de l’œuvre. Dans le dernier mouvement, Mahler demande de gigantesques coups de marteau frappés sur une caisse en bois spécialement construite. Selon Alma Mahler, ils symboliseraient les coups du destin frappant un héros. Mahler en avait initialement prévu trois, puis supprima le troisième avant la publication définitive. Les chefs d’orchestre débattent encore aujourd’hui du nombre de coups à jouer.

 

Après la composition de l’œuvre, plusieurs catastrophes frappèrent Mahler : la mort de sa fille Maria en 1907, la découverte de sa maladie cardiaque, son départ forcé de l’Opéra de la Cour de Vienne. Cette coïncidence a nourri l’idée que la Sixième aurait été « prophétique », même si les musicologues considèrent cela avec prudence.

 

La Sixième utilise un très grand orchestre, mais d’une manière différente de la spectaculaire n°8 : beaucoup de percussions, cloches de vaches (cowbells) évoquant un monde pastoral lointain, contrastes extrêmes entre violence et intimité. L’effet recherché n’est pas la grandeur triomphale mais la tension dramatique.

 

Si l’on devait résumer en une phrase, la Sixième est la symphonie où Mahler abandonne toute perspective de salut et met en scène, avec une logique presque inexorable, la défaite d’un héros face au destin. C’est pourquoi de nombreux chefs d’orchestre et musicologues la considèrent comme l’une des œuvres les plus puissantes et les plus dérangeantes du répertoire symphonique, aux côtés de la Symphonie n° 9 de Beethoven et de la Symphonie n° 9 de Mahler.

 

La Symphonie n° 6 en la mineur de Gustav Mahler, jouée par l'Orchestre symphonique de la WDR dirigé par Michael Tilson Thomas.

00:00:00 I. Allegro energico, ma non troppo. Forte, mais concise 00:23:44 II. Scherzo. Puissant - patriarcal. Beaucoup plus lentement. Grazioso - Tempo I 00:37:25 III. Andante moderato 00:53:58 IV. Final. Allegro moderato

 

22 février 2008 à la Kölner Philharmonie.

 

Gustav Mahler, Symphonie n°6

00:50 Allegro energico, ma non troppo. Heftig, aber markig. 24:45 Andante moderato 39:42 Scherzo: Wuchtig 52:46 Finale: Sostenuto – Allegro moderato – Allegro energico

 

Orchestre du Festival de Lucerne

Claudio Abbado, conductor

 

https://fr.wikipedia.org/wiki/Symphonie_no_6_de_Mahler

 

le compositeur allemand, richard wagner, aurait 213 ans aujourd’hui

   

 

Le 22 mai 1813, il y a 213 ans aujourd’hui, naissait à Leipzig, le compositeur allemand, Richard Wagner.

 

Richard Wagner a profondément transformé l’histoire de la musique, surtout l’opéra, mais aussi l’orchestre, l’harmonie et même la manière de penser l’art. Son influence est immense — admirée, contestée, parfois controversée — mais impossible à ignorer.

 

Wagner défend l’idée du Gesamtkunstwerk : une fusion complète de la musique, du théâtre, de la poésie, des décors et de la mise en scène. Avant lui, l’opéra était souvent construit autour d’airs séparés. Wagner cherche au contraire une continuité dramatique : disparition des coupures entre récitatifs et airs, orchestre devenu narrateur, drame pensé comme un tout cohérent. Des œuvres comme L’Anneau du Nibelung ou Tristan et Isolde ont redéfini ce que pouvait être l’opéra moderne.

 

Wagner popularise l’usage systématique du leitmotiv : un motif musical associé à un personnage, une idée, un objet ou un destin : un thème pour un héros, un autre pour le pouvoir, un autre pour l’amour ou la fatalité. Cette technique a influencé l’opéra du XXe siècle, la musique symphonique et surtout la musique de film. Des compositeurs comme John Williams (dans Star Wars) utilisent des procédés directement hérités de Wagner.

 

Avec Tristan et Isolde, Wagner pousse l’harmonie tonale à ses limites. Le célèbre « accord de Tristan » a ouvert la voie : fa, si, re#, sol#. Sa musique crée une tension permanente, des résolutions retardées, une ambiguïté harmonique nouvelle.

 

Tristan und Isolde - Richard Wagner

Dramma per musica in tre atti, libretto e musica del compositore, dal poema l poema Tristan di Gottfried von Straßburg. Prima rappresentazione: Monaco, Teatro Nazionale, 10 giugno 1865

 

Tristán - Siegfried Jerusalem

Isolde - Waltraut Meier

Rey Marke -Matthias Hölle

Kurwenal - Falk Struckmann

Melot - Poul Elming

Brangäne - Uta Priew

Un pastore - Peter Maus

Un pilota - Sándor Sólyom-Nagy

Un marinaio - Poul Elming

 

Coro, orchestra del Festival de Bayreuth,

Conductor Daniel Barenboim

 

Director  Heinrich Müller

 

1995

 

https://fr.wikipedia.org/wiki/Richard_Wagner

la basse bulgare, boris christoff, aurait 112 ans aujourd’hui

 

Le 18 mai 1914, il y a 112 ans aujourd’hui, naissait à Plovdiv, la basse bulgare, Boris Christoff.

 

Boris Christoff était considéré comme l’une des plus grandes basses du XXe siècle, particulièrement célèbre dans le répertoire russe et slave. Ses qualités étaient à la fois vocales, dramatiques et linguistiques. Il possédait une voix de basse très sombre, ample et puissante, avec un timbre immédiatement reconnaissable. Elle donnait une impression d’autorité naturelle, idéale pour les rôles de tsars, de moines ou de personnages tragiques, avec un grave très riche et résonant, une projection énorme, une couleur vocale presque “nocturne”. Il n’était pas seulement chanteur : il incarnait ses personnages avec une intensité psychologique remarquable. Dans des rôles comme Boris Godounov, il donnait une impression de puissance intérieure et de tragédie presque théâtrale. Beaucoup considèrent qu’il a été l’un des plus grands interprètes de ce rôle de toute l’histoire de l’opéra.

 

Boris Christoff accordait énormément d’importance aux mots. Sa prononciation du russe, du bulgare ou de l’italien était admirée pour sa clarté expressive. Même sans comprendre la langue, le public ressentait les intentions dramatiques. Il excellait particulièrement dans les œuvres de Modeste Moussorgski, Piotr Ilitch Tchaïkovski, Alexandre Borodine, Sergueï Rachmaninov. Son interprétation des chants russes est encore aujourd’hui une référence pour beaucoup de basses. Il avait une présence imposante et une conception très personnelle des rôles. Cela pouvait parfois le rendre difficile dans le milieu lyrique, mais cela contribuait aussi à son aura légendaire.

 

Certains critiques estimaient que sa voix pouvait devenir rugueuse avec l’âge, que son chant privilégiait parfois l’expression dramatique au détriment de la pure beauté du legato, qu’il pouvait être excessif dans certains effets. Mais pour beaucoup d’amateurs d’opéra, cette intensité faisait précisément sa grandeur et c’est bien mon avis.

 

Boris Christoff a chanté « Boris Godounov » à l’opéra de Lyon au début des années 1960. Le chef d’orchestre programmé, Bruno Bogo (chef à l’opéra de Venise) n’ayant pu se déplacer, c’est Edmond Carrière, le chef titulaire de l’opéra de Lyon qui l’a remplacé au pied levé et je lui rends hommage, ici. Boris Christoff a chanté en Russe. Ses partenaires et les chœurs lui ont répondu en français. J’étais dans la fosse d’orchestre au poste de 2^e trompette.

 

https://youtu.be/TrRJyx04fhE?si=A694oFCPL5WMwhrJ

Modest Moussorgsky, Boris Godounov

 

Boris Christoff---Boris, Varlaam, and Pimen

John Lanigan----Shuisky

Dimitr Ouzounov---Grigory/Dmitry

Anton Diakov---Rangoni

Evelyn Lear---Marina

Kiril Dulguero---Simpleton

Ana Alexieva---Fyodor

 

Chorus of the National Opera of Sofia

Orchestre de la Société des Concerts du Conservatoire

André Cluytens----direction

 

1963

 

https://fr.wikipedia.org/wiki/Boris_Christoff

 

première de « cavalleria rusticana », opéra de pietro mascagni

  

 

Le 17 mai 1890, était créé à Rome, l’opéra de Pietro Mascagni « Cavalleria rusticana ».

 

« Cavalleria rusticana « a bouleversé l’opéra italien de la fin du XIXᵉ siècle en introduisant le vérisme sur scène. Avant cela, beaucoup d’opéras italiens mettaient en scène des rois, des héros historiques ou des intrigues nobles. Avec Pietro Mascagni, l’histoire se déroule dans un village sicilien parmi des paysans, avec la jalousie, l’adultère, la vengeance, la passion violente, l’honneur blessé. Le sujet paraît presque « brut » et réaliste pour l’époque.

 

L’opéra ne comporte qu’un seul acte. Cette forme condensée crée une intensité dramatique inhabituelle comme pas de longues intrigues secondaires, une action rapide, une tension continue jusqu’au duel final. Mascagni utilise une musique lyrique, expressive, immédiatement accessible, très dramatique. L’orchestre accompagne fortement les émotions des personnages plutôt que de simplement soutenir le chant. L’« Intermezzo » orchestral est devenu célèbre pour son contraste : une musique presque spirituelle au milieu d’une histoire de violence passionnelle. L’action se déroule le jour de Pâques. L’opéra mêle chants religieux, vie quotidienne du village, désir, vengeance, fatalité. Ce contraste entre ferveur religieuse et passions humaines est l’un des éléments les plus marquants de l’œuvre.

 

« Cavalleria rusticana » a ouvert la voie à de nombreux opéras véristes, notamment « Pagliacci » et certaines œuvres de Giacomo Puccini. On joue d’ailleurs souvent « Cavalleria rusticana » et « Pagliacci » ensemble lors d’une même soirée d’opéra.

 

Pietro Mascagni - CAVALLERIA RUSTICANA

Film by Franco Zeffirelli

 

Santuzza - Elena Obraztsova

Turiddu - Plácido Domingo

Alfio - Renato Bruson

Mamma Lucia - Fedora Barbieri

Lola - Axelle Gall

 

Orchestra & Coro Teatro Alla Scala di Milano

Maestro del Coro - Romano Gandolfi

Conductor - Georges Prêtre

 

https://fr.wikipedia.org/wiki/Cavalleria_rusticana