la pianiste chinoise, yuja wang, a 39 ans aujourd’hui

  

 

Le 10 février 1987, il y a 39 ans aujourd’hui, naissait à Pékin, la pianiste chinoise, Yuja Wang.

 

Yuja Wang est considérée comme l’une des pianistes les plus impressionnantes de sa génération. Elle possède une technique spectaculaire : vitesse, précision, puissance et contrôle extrême du clavier. Elle peut aborder des œuvres très complexes (Rachmaninov, Prokofiev, Liszt) avec une aisance rare. Même dans les passages les plus rapides, chaque note reste lisible. Son articulation est nette et très maîtrisée, ce qui rend son interprétation particulièrement intelligible. Elle sait produire une grande variété de couleurs et de nuances, du pianissimo très délicat à des passages extrêmement puissants, sans dureté. Yuja Wang ne joue pas de manière « neutre » : elle prend des risques, propose des tempos audacieux, des contrastes forts. Cela donne des interprétations très vivantes, parfois surprenantes, mais rarement fades. Elle est capable de remplacer un programme entier à la dernière minute et de jouer des concertos très exigeants sans partition — ce qui impressionne beaucoup le monde musical. Son charisme sur scène est notable : elle dégage de l’énergie, de la concentration et une certaine audace artistique qui captent le public. Elle contribue à rendre la musique classique plus accessible et actuelle, notamment par son image, ses choix de programmes et ses collaborations.

 

Yuja Wang - Variations on the Turkish March

 

Yuja Wang:  Gershwin Rhapsody in Blue

 

Camerata Salzburg conducted by Lionel Bringuier

 

Salzburger Festspiele, Aug 12, 2016

 

Yuja Wang, Ravel, Piano Concerto in G majot

 

I. Allegramente 00:00 II. Adagio assai 08:33 III. Presto 17:23

 

Encore: Philip Glass - Études: No. 6 23:00

 

Orchestre de Paris

Klaus Mäkelä, conductor

 

Live recording: 4/10/2023 | Philharmonie de Paris.

 

https://fr.wikipedia.org/wiki/Yuja_Wang

 

Mon avis : des pianistes talentueux parcourent le monde et ce n’est pas leur faire injure que d’écrire que Martha Argerich est subjectivement la plus grande même si deux ou trois autres sont du même gabarit. Je place Yuja Wang dans un monde tout à fait à part. Avant d’être pianiste, elle est un génie de l’analyse et de l’interprétation. Et si tout passe par son regard et par son sourire - ce qui est assez rare - c’est qu’elle  renvoie a l’auditeur les tréfonds de son âme qui n’est que musique. Pour moi, LA pianiste de ce début du XXIe siècle.

la soprano américaine, leontyne price, a 99 ans aujourd’hui

  

 

Le 9 février 1927, il y a 99 ans aujourd’hui, naissait à Laurel (Mississipi), la soprano américaine Leontyne Price

 

Leontyne Price est considérée comme l’une des plus grandes sopranos du XXᵉ siècle, surtout dans le répertoire italien (Verdi, Puccini). Sa voix est célèbre pour sa chaleur et sa couleur sombre, presque « crémeuse », particulièrement émouvante dans le médium. Elle pouvait projeter facilement au-dessus d’un grand orchestre sans forcer. Signe de chant est exceptionnelle : phrasé long, legato très soigné, grande musicalité, ses aigus sûrs et brillants : pas métalliques, mais pleins et expressifs, sa diction claire : aussi bien en italien qu’en anglais ou en français. Elle incarnait ses rôles avec profondeur, notamment les héroïnes verdiennes (Aida, Leonora, Desdemona), avec le respect des traditions belcantistes et verdiennes, sans effets excessifs. Sa présence scénique était noble : élégance, charisme naturel, autorité dramatique, son émotion communicative : capacité à transmettre la douleur, la dignité ou la tendresse sans surjeu.

 

Elle a été une figure majeure au Metropolitan Opera et l’une des premières grandes chanteuses afro-américaines à s’imposer durablement sur les plus grandes scènes internationales. Son interprétation de Verdi reste une référence discographique pour de nombreux rôles.

 

Leontyne Price - Récital à San Francisco

 

Mozart - Le Nozze di Figaro : Dove Sono

Verdi - Aïda : Ritorna Vincitor

Richard Strauss - Vier Letzte Lieder

Verdi - La Forza del Destiono : Pace, Pace Mio Dio

Puccini - Manon Lescaut : In Quelle Trine Morbide

Puccini - La Rondine : Chi Il Bel Sogno di Doretta

 

San Francisco Symphony orchestra

Conductor - Seiji Ozawa

 

February 28, 1970

 

Giuseppe Verdi, Aida

Act I 00:00 Act II 00:42:26 Act III 01:25:12 Act IV 01:57:51

 

Aida: Leontyne Price

Radamès: Jon Vickers

Amneris: Rita Gorr

Amonasro: Robert Merrill

 

Orchestra e Coro del Teatro dell'Opera di Roma

Conductor: Sir Georg Solti

 

Decca, 1962

 

https://fr.wikipedia.org/wiki/Leontyne_Price

 

À l’apogée de sa carrière (surtout années 1950-1970), Leontyne Price dominait le répertoire soprano dramatique et lyrique-spinto — Verdi en particulier — et ses « concurrentes » étaient surtout les grandes sopranos internationales qui se partageaient les mêmes rôles et scènes (Met, Scala, Vienne, etc.). Martina Arroyo – soprano verdienne, parfois perçue comme une héritière ou rivale dans Aida, Trovatore, etc. Grace Bumbry – davantage mezzo puis soprano dramatique, carrière internationale comparable, forte présence scénique. Shirley Verrett – mezzo-soprano devenue soprano dramatique, active dans Verdi également. Renata Tebaldi – immense soprano lyrique-spinto italienne, associée au Met et à La Scala ; comparaison fréquente dans Verdi et Puccini. Montserrat Caballé – soprano espagnole, célèbre pour le bel canto et Verdi ; autre grande star internationale des années 60-70. Mirella Freni – plus lyrique que Price, mais partage de grandes scènes et de productions importantes. Antonietta Stella – soprano verdienne italienne des années 50-60.

 

La grande « rivale » médiatique… mais différente vocalement était Maria Callas – souvent évoquée comme rivale symbolique dans la presse, mais en réalité leurs répertoires et styles divergeaient. Callas : tragédienne, bel canto, expression dramatique extrême ; Price : timbre opulent, ligne verdienne idéale, beauté vocale « classique ». Leontyne Price n’avait pas toujours de « rivale directe » unique, car elle dominait un créneau précis : soprano verdienne afro-américaine majeure, voix très homogène et somptueuse, immense prestige au Metropolitan Opera (notamment Aida, Il Trovatore, La Forza del destino)

 

Beaucoup de critiques la considéraient comme la référence absolue dans Verdi dans les années 1960, plus que comme une simple concurrente parmi d’autres.

première de la symphonie n°3, dites « rhéane » de robert schumann

  

 

Le 6 février 1851, il y a 175 ans aujourd’hui, était créée à Düsseldorf, la Symphonie n°3, dites « Rhéane », de Robert Schumann.

 

La Symphonie n°3 de Robert Schumann, dite « Rhénane » (1850), est souvent considérée comme l’une de ses œuvres orchestrales les plus abouties. Schumann s’inspire de la région du Rhin après son installation à Düsseldorf. La symphonie évoque des paysages grandioses, la vie rhénane, une atmosphère festive et spirituelle. Elle ne raconte pas une histoire précise, mais transmet des impressions et émotions, presque comme un tableau sonore. Contrairement à l’image parfois tourmentée de Schumann, cette symphonie dégage un élan vital, une joie expansive, une écriture brillante et lumineuse. Le premier mouvement, notamment, est porté par un thème ample et noble, très caractéristique.

 

Schumann a parfois été critiqué pour son orchestration, mais ici les cuivres jouent un rôle majestueux, les bois apportent des couleurs chaleureuses, les contrastes dynamiques sont très marqués. Le quatrième mouvement, inspiré d’une cérémonie dans la cathédrale de Cologne, se distingue par une sonorité solennelle et quasi sacrée. Contrairement à la forme classique en quatre mouvements, la « Rhénane » en compte cinq : 1. Vif et héroïque, 2. Scherzo inspiré de danses populaires, 3. Mouvement lyrique et intime, 4. Épisode solennel et religieux, 5. Final énergique et triomphant. Cette structure renforce l’impression de parcours émotionnel et paysager. La symphonie illustre bien le style de Schumann : romantisme expressif, thèmes chantants, mais aussi rigueur héritée de Beethoven. Elle combine élan émotionnel et construction solide avec une identité sonore très marquée : écriture thématique dense, transitions organiques, importance du climat plutôt que du spectaculaire.

 

La Symphonie n° 3 en mi bémol majeur op. 97 de Robert Schumann, la « Symphonie rhénane », interprétée par l'Orchestre symphonique de la WDR sous la direction du chef d'orchestre Petr Popelka.

00:00:00 I. Vif 00:09:19 II. Scherzo. Très modéré 00:15:30 III. Pas rapide 00:20:39 IV. Solennel 00:25:36 V. Vif

 

Enregistré en direct le 14/03/2025 à la Philharmonie de Cologne.

 

Robert Schumann, SYMPHONY NO. 3 in E-flat major, Op. 97, 'Rhenish' (ed. Mahler)

I. Lebhaft (0:00) II. Scherzo. Sehr mäßig (9:28) III. Nicht schnell (16:04) IV. Feierlich (21:37) V. Lebhaft (27:09)

 

Boston Symphony Orchestra

ERICH LEINSDORF, conductor

 

Recording: Symhony Hall, Boston, December 18, 1964

 

En 1851, Robert Schumann est marié à la pianiste et compositrice Clara Schumann (née Wieck), avec qui il forme un couple très uni, mais soumis à de fortes contraintes professionnelles et familiales. Le couple vit alors en Allemagne (ils s’installent cette année-là à Düsseldorf, où Robert devient directeur musical). Ils ont déjà plusieurs enfants : Marie (née en 1841), Elise (1843), Julie (1845), Ludwig (1848), Ferdinand (1849). Un autre enfant, Eugenie, naît en décembre 1851. Leur fils Emile, né en 1846, est mort en bas âge en 1847. Clara mène une carrière active de pianiste, souvent en tournée, ce qui l’oblige à s’absenter régulièrement. Robert, de son côté, travaille intensément comme compositeur et chef d’orchestre, tout en commençant à souffrir de troubles psychiques qui s’aggraveront dans les années suivantes.

le baryton canadien, gerald finley, a 66 ans aujourd’hui

 

Le 30 janvier 1960, il y a 66 ans aujourd’hui, naissait à Montréal le baryton canadien, Gerald Finley.

 

Gerald Finley est largement reconnu comme l’un des barytons les plus accomplis et admirés de sa génération, apprécié pour une combinaison rare de qualités vocales, techniques et d’interprétation artistique. Sa voix est souvent décrite comme chaleureuse, à la fois riche et veloutée, avec une belle résonance sur toute l’étendue du registre. Il maîtrise la respiration, les transitions entre registres et la ligne vocale avec une fluidité rare, ce qui donne des phrases longues et naturelles. Son chant allie précision musicale et diction très compréhensible, ce qui est particulièrement valorisé en lieder et mélodies. Il ne se contente pas de chanter juste ; il est reconnu pour son art dramatique et son intelligence d’interprétation, intégrant la musique et le texte avec sensibilité. Il est à l’aise dans un répertoire extrêmement large — du Mozart classique au Verdi, Wagner, Adams contemporain, et même la mélodie et le lied en plusieurs langues. Que ce soit des rôles comiques de Mozart, des personnages tourmentés de Verdi ou des rôles dramatiques modernes, il apporte profondeur psychologique et engagement scénique. 

 

Il a remporté plusieurs prix prestigieux (dont un Grammy Award) et est considéré comme une référence actuelle dans son art. Il est également reconnu pour sa personnalité humble, son engagement artistique et sa curiosité envers la musique nouvelle. 

 

Franz Schubert: An die Musik (orch. Reger)

 

Gerald Finley, bass-baritone

Berliner Philharmoniker

Daniel Harding, conductor

 

Recorded at the Berlin Philharmonie, 3 March 2018

 

Richard Wagner, Parsifal Amfortas: "Wehe! Wehe mir der Qual!"

 

Amfortas — Gerald Finley

Titurel — Jongmin Park

Orchestra of the Vienna State Opera

Semyon Bychkov, conductor

 

(Recorded 13th April, 2017, Vienna State Opera)

 

Mozart, Don Giovanni Act I, Finch'han dal vino

 

Gerald Finley (Don Giovanni)

Orchestra of the Age of Enlightenment

Vladimir Jurowski conductor r

 

Recorded at Glyndebourne, Lewes, Great Britain in 2010

 

En savoir plus…

https://fr.wikipedia.org/wiki/Gerald_Finley

 

première des « kindertotenlieder » de gustav mahler, il y a 121 ans aujourd’hui

  

 

Le 29 janvier 1921, il y a 121 ans, étaient créés à Vienne, les « Kindertotenlieder », cinq lieder pour voix et orchestre, de Gustav Mahler.

 

Les Kindertotenlieder (1901–1904) de Gustav Mahler sont particuliers par leur sujet, leur traitement musical, leur place dans l’histoire du lied et par leur dimension existentielle. Le cycle met en musique cinq poèmes de Friedrich Rückert, écrits après la mort de deux de ses enfants. Mahler choisit donc un thème presque insoutenable : le deuil parental. À l’époque, traiter aussi directement la mort d’enfants dans une œuvre vocale n’est pas courant. Mahler en fait un sujet artistique majeur, sans sentimentalisme. Contrairement à beaucoup de musiques funèbres du XIXe siècle, Mahler évite l’emphase : pas de grandes explosions lyriques permanentes, une douleur contenue, une atmosphère de silence et de retenue L’originalité tient dans cette manière de suggérer la souffrance plutôt que de la montrer.

 

Mahler orchestre les lieder (ce ne sont pas de simples mélodies avec piano) en employant un orchestre est réduit, transparent, souvent chambriste. Il utilise des couleurs instrumentales très fines : hautbois plaintif, cor lointain, cordes voilées, absence fréquente de tutti. L’orchestre devient un espace psychologique, pas un accompagnement décoratif. Il transforme ainsi  le genre du lied. Ce ne sont plus des miniatures intimistes mais des poèmes symphoniques en miniature. On y retrouve des procédés symphoniques comme les motifs récurrents, les transitions longues, l’architecture globale du cycle. Les Kindertotenlieder se situent entre musique vocale et symphonie. L’originalité expressive du cycle vient de son ambiguïté : la musique cherche l’apaisement mais ne trouve jamais une résolution complète. Même le dernier lied, censé être plus lumineux, reste fragile. Mahler ne propose pas une consolation religieuse nette, mais une consolation humaine incertaine.

 

Mahler compose cette œuvre alors que ses propres enfants sont encore vivants. Mais en 1907, sa fille Maria meurt. Cela a renforcé l’impression que cette musique touche à une vérité universelle, presque prophétique. Les Kindertotenlieder annoncent le XXe siècle par une harmonie instable, des dissonances expressives, des tonalités flottantes. Mahler explore une musique du traumatisme intérieur, proche de ce que feront plus tard Berg ou Schoenberg. L’originalité des Kindertotenlieder réside dans leur capacité unique à unir un thème radical (la mort des enfants), une expression retenue et intérieure, une orchestration d’une finesse exceptionnelle, une forme entre lied et symphonie, une modernité émotionnelle et harmonique. C’est l’un des cycles les plus bouleversants de toute la musique vocale occidentale.

 

Gustav Mahler - Kindertotenlieder

00:00:26 1. Nun will die Sonn‘ so hell aufgehn 00:06:48 2. Nun seh‘ ich wohl, warum so dunkle Flammen 00:12:10 3. Wenn dein Mütterlein 00:17:44 4. Oft denk‘ ich, sie sind nur ausgegangen 00:20:38 5. In diesem Wetter, in diesem Braus

 

Brigitte Fassbaender, Mezzosopran

Sinfonieorchester des Norddeutschen Rundfunks

Klaus Tennstedt, Dirigent

 

Live aufgezeichnet am 20. Mai 1980 im Kieler Schloss.

 

Gustav Mahler Kindertotenlieder ("Songs on the Death of Children")

00:00 I. Nun will die Sonn’ so hell aufgeh’n ("Now the sun wants to rise as brightly") 06:14 II. Nun seh’ ich wohl, warum so dunkle Flammen ("Now I see why with such dark flames") 11:59 III. Wenn dein Mütterlein ("When your mama") 17:05 IV. Oft denk’ ich, sie sind nur ausgegangen! ("I often think that they have just stepped out") 20:32 V. In diesem Wetter ("In this weather")

 

Christa Ludwig, mezzo-soprano

Berliner Philharmoniker

Herbert von Karajan, conductor

 

Studio recording, 1975

 

En savoir plus…

https://fr.wikipedia.org/wiki/Kindertotenlieder_(Mahler)

le chef d’orchestre allemand, wilhelm furtwängler, aurait 140 ans aujourd’hui

 

 

Le 25 janvier 1886, il y a 140 ans aujourd’hui, naissait à Berlin, le chef d’orchestre allemand, Wilhelm Furtwängler.

 

Wilhelm Furtwängler (1886–1954) est considéré comme l’un des plus grands chefs d’orchestre du XXᵉ siècle, surtout dans le répertoire germanique. Ses qualités étaient à la fois musicales, intellectuelles et spirituelles. Il ne dirigeait pas « à la mesure », mais au souffle. Il concevait la musique comme un organisme vivant, en perpétuelle transformation. Les tempos étaient flexibles, parfois très libres, mais toujours au service de la tension dramatique. Il excellait dans la gestion du temps musical, donnant l’impression que la musique « se crée » sous nos yeux. Ses interprétations sont célèbres pour leur puissance émotionnelle, parfois quasi métaphysique. Il recherchait la profondeur tragique, notamment chez Beethoven, Brahms, Bruckner et Wagner. Même dans les passages calmes, il maintenait une tension intérieure très forte.

 

Furtwängler était aussi compositeur et penseur. Il voyait la musique comme une expression spirituelle, pas comme une simple exécution fidèle du texte. Il se méfiait du « perfectionnisme mécanique » et de la rigidité métronomique. Sans être un technicien gestuel très précis, il inspirait une adhésion totale des musiciens. Les orchestres (Berlin Philharmoniker, Vienne, etc.) jouaient pour lui avec un engagement exceptionnel. Son autorité venait de sa vision plus que de la discipline. Il était maître dans les formes longues : symphonies de Beethoven (surtout la 9ᵉ), Bruckner, Tristan, Parsifal. Il savait bâtir des arcs dramatiques immenses, donnant un sentiment de fatalité et de nécessité.

 

Son choix de rester en Allemagne sous le régime nazi a terni son image, bien que son cas soit complexe et débattu. Musicalement, il reste une référence absolue (liberté, profondeur, vision intérieure), souvent opposée à Arturo Toscanini (clarté, précision, fidélité stricte au texte). Furtwängler était un chef-poète, habité par une conception presque mystique de la musique, capable de transformer une partition en expérience existentielle.``

 

Richard Wagner Tannhäuser - Ouvertüre

 

Wiener Philharmoniker

Wilhelm Furtwängler, conductor

 

Studio recording, Vienna, 2 & 3.XII.1952

 

Ludwig van Beethoven Symphony No. 5 in C minor, Op. 67

00:00 1. Allegro con brio 08:07 2. Andante con moto 19:18 3. Allegro. atacca 25:07 4. Allegro - Presto

 

Berlin Philharmonic Orchestra

Wilhelm Furtwängler, conductor

 

Ludwig van Beethoven, Symphonie n°9

 

Elisabeth Schwarzkopf, soprano

Elisabeth Höngen, alto

Hans Hopf, tenor

Otto Edelmann, bass

 

Bayreuth Festival Orchestra,

Wilhelm Furtwangler, conductor

 

Recorded live* on July 29. 1951

 

En savoir plus…

https://fr.wikipedia.org/wiki/Wilhelm_Furtwängler

première de la symphonie n°3 « premier mai » de dmitri chostakovitch, il y a 96 ans aujourd’hui

 

 

Le 21 janvier 1930, il y a 96 ans aujourd’hui, était créée à Lenigrad, la Symphonie n°3 en mi bémol majeur op20, de Dmitri Chostakovitch.

 

La Symphonie n°3 en mi bémol majeur, op. 20 de Dmitri Chostakovitch (1929), souvent appelée « Le Premier Mai », possède des qualités marquées qui tiennent autant à son audace musicale qu’à son contexte historique et idéologique. Elle  est écrite en un seul mouvement continu, ce qui rompt avec la forme symphonique classique en plusieurs mouvements. La construction est évolutive, presque cinématographique : elle progresse par blocs contrastés plutôt que par développement thématique traditionnel. Cette forme libre donne une impression de mouvement collectif, adaptée à l’idée de masse et de célébration populaire. Chostakovitch fait preuve d’une maîtrise orchestrale exceptionnelle, surtout pour un compositeur d’à peine 23 ans. L’orchestration est très colorée (cuivres éclatants, bois incisifs), fortement rythmée, parfois volontairement brutale ou sarcastique. Les contrastes dynamiques sont frappants, allant de passages mystérieux à des explosions sonores quasi martiales. Le rythme est un moteur essentiel de l’œuvre. On y trouve des marches, des motifs répétitifs, une pulsation collective évoquant le travail, la foule, la mobilisation. Cette énergie donne à la symphonie un caractère direct, physique, presque militant. Le final fait intervenir un chœur, qui chante un texte célébrant le Premier Mai (fête internationale des travailleurs). Cette fusion entre symphonie et cantate est novatrice. Même si le texte peut sembler daté idéologiquement, l’effet musical reste impressionnant et théâtral.

 

La symphonie reflète une époque où le compositeur est encore libre, provocateur et moderniste, avant les contraintes du réalisme socialiste. On y perçoit de l’ironie, une certaine ambiguïté expressive, un enthousiasme qui peut être sincère ou subtilement distancié (débat fréquent chez les musicologues). Elle témoigne de l’effervescence artistique de l’URSS des années 1920. Elle illustre la tentative de créer une musique symphonique nouvelle, tournée vers le peuple et l’actualité politique. À ce titre, elle est essentielle pour comprendre l’évolution ultérieure du style de Chostakovitch. Même si elle est moins jouée que d’autres symphonies de Chostakovitch, elle reste une œuvre audacieuse, stimulante et révélatrice de son génie précoce.

 

Symphony No. 3 in E-flat major (subtitled First of May), Op. 20 by Dmitri Shostakovich

``

Academy Capella Choir

Mariinsky Orchestra

Valery Gergiev, conductor

 

Dmitri Shostakovich: Symphony No. 3, Op. 20 "The First of May"

0:07 - Beginning 8:56 - Rehearsal 37 15:30 - Rehearsal 49 - Lento 17:56 - Rehearsal 52 - Allegro 29:18 - Rehearsal 98 - Moderato (entrance of the choir)

 

Azusa Pacific University Symphony Orchestra and Oratorio Choir

Christopher Russell, conductor

 

Recorded November 7, 2014 at the Haugh Performing Arts Center, Glendora, CA

 

 

En savoir plus…

https://fr.wikipedia.org/wiki/Symphonie_no_3_de_Chostakovitch