première de « guntram », opéra de richard strauss, il y a 132 ans aujourd’hui

  

 

Le 10 mai 1894, il y a 132 ans aujourd’hui, était créé à Weimar l’opéra de Richard Strauss : « Guntram ».

 

« Guntram » est le premier grand opéra de Richard Strauss, composé entre 1892 et 1893. C’est une œuvre assez rare aujourd’hui, mais importante pour comprendre les débuts du compositeur avant ses grands succès comme Salomé ou Der Rosenkavalier.

 

L’opéra se déroule dans un Moyen Âge idéalisé. Guntram est un poète-chevalier appartenant à une confrérie spirituelle. Il défend la liberté, l’amour et la justice, dans une ambiance influencée par le romantisme allemand et les idéaux chevaleresques. L’ombre de Richard Wagner est très présente. On entend des échos de Parsifal et de Die Meistersinger von Nürnberg : grands développements orchestraux, leitmotivs, écriture vocale dense, dimension philosophique et morale. Malgré l’influence wagnérienne, on reconnaît déjà certains traits propres à Strauss : richesse orchestrale, couleurs harmoniques audacieuses, tension dramatique, lyrisme expansif.

 

La création à Weimar en 1894, dirigée par Strauss lui-même, fut un succès mitigé. Le livret, écrit par Strauss, a souvent été jugé faible ou trop abstrait. Strauss lui-même prit ensuite ses distances avec l’œuvre. Pourtant, « Guntram » reste un opéra intéressant. Il montre la transition entre Wagner et le Strauss mature ; certains passages orchestraux annoncent déjà les futurs chefs-d’œuvre ; le rôle-titre est très exigeant pour le ténor.

 

Richard Strauss: Guntram op.25 (1893) opera in 3 Acts

 

L’action se déroule dans une Allemagne médiévale idéalisée.

 

Guntram est un chevalier-poète appartenant à une confrérie spirituelle vouée à la paix et à la justice. Au cours d’une fête donnée par le duc Robert, il rencontre Freihild, l’épouse malheureuse du duc. Touché par sa détresse, Guntram dénonce publiquement la brutalité et la corruption de la cour.

 

Freihild tombe amoureuse de lui et veut fuir avec lui. Mais lorsque Robert provoque Guntram, celui-ci le tue en duel. Bien qu’il ait agi pour défendre l’honneur et la liberté de Freihild, Guntram est accablé par la culpabilité, car son ordre interdit la violence.

 

Jugé par les siens, il refuse de se justifier réellement et accepte sa condamnation morale. Finalement, il renonce à l’amour de Freihild et choisit une vie solitaire de pénitence et de méditation.

 

   

https://fr.wikipedia.org/wiki/Guntram

  

 

la soprano italienne, cesira ferrani, aurait 163 ans aujourd’hui

 

Le 8 mai 1863, naissait à Tutin la soprano italienne Cesira Ferrani.

 

Cesira Ferrani était une soprano italienne très réputée de la fin du XIXᵉ et du début du XXᵉ siècle, particulièrement admirée pour son interprétation du répertoire verdien et vériste. Née en 1863 à Turin et morte en 1943, elle fit carrière dans les grands théâtres italiens à une époque charnière de l’opéra italien. Elle fut associée à des compositeurs importants comme Giuseppe Verdi et surtout Giacomo Puccini. Elle créa notamment le rôle de Mimì dans la première turinoise de La Bohème en 1896, sous la direction de Arturo Toscanini. C’est l’un des épisodes les plus célèbres de sa carrière. Puccini appréciait beaucoup sa musicalité et son expressivité dramatique ; elle fut aussi l’une des premières interprètes de Manon dans Manon Lescaut. Sa voix était décrite comme chaleureuse, souple et très expressive plutôt que spectaculaire par le volume seul. Les critiques de l’époque insistaient souvent sur son intelligence musicale et son naturel scénique.

 

Elle participa à la diffusion du vérisme italien, mouvement lyrique recherchant davantage de réalisme émotionnel et dramatique. Comme beaucoup de chanteurs de cette génération, il existe peu d’enregistrements exploitables aujourd’hui, ce qui explique qu’elle soit moins connue du grand public que certaines contemporaines plus tardives. On la retrouve cependant dans l’histoire de l’opéra comme une figure importante des débuts de Puccini et de la tradition lyrique italienne de transition entre Verdi et le vérisme.

Cesira Ferrani - Sì. Mi Chiamano Mimì - 1903 - from 78 RPM

 

Cesira Ferrani (soprano) - selected recordings (1902)

0:00 Puccini: Manon Lescaut: In quelle trine morbide (she created this role) 2:04 Puccini: Manon Lescaut: L’ora o Tirsi 3:35 Puccini: La Bohème: Sì mi chiamano Mimi (she created this role) 6:15 Puccini: La Bohème: Addio senza rancor 8:46 Boito: Mefistofele: L’altra notte 11:00 Gounod: Faust: Il se fait tard (with Giovanni Apostolu, tenor)

 

Les informations connues sur la vie privée de Cesira Ferrani sont assez limitées. Contrairement à certaines grandes divas de son époque, elle n’a pas laissé une abondante correspondance publiée ni fait l’objet de biographies très détaillées centrées sur sa vie personnelle. Elle était née à Turin sous le nom de Cesira Zanazzio (ou Zanazio selon certaines sources). Sa carrière fut principalement italienne, avec une forte présence à Turin, Milan et dans les grands théâtres de la péninsule. Les sources historiques parlent surtout de son activité artistique, de ses relations professionnelles avec Giacomo Puccini et Arturo Toscanini, et beaucoup moins de sa famille. Elle semble avoir mené une vie relativement discrète hors scène, sans les scandales mondains parfois associés aux chanteuses célèbres de la Belle Époque. Après sa retraite de la scène, elle aurait enseigné le chant et vécu principalement en Italie du Nord.

 

le compositeur français omer letorey aurait 153 ans aujourd’hui

  

 

Le 4 mai 1873 naissait à Chalon-sur-Saône le compositeur français Omer Letorey.

 

Malgré son talent, Omer Letorey est très peu présent dans les programmes, sans doute parce qu’il arrive dans une période dominée par des figures écrasantes comme Claude Debussy, Maurice Ravel ou encore Gabriel Fauré. Sa musique est souvent décrite comme élégante, bien écrite, mais pas assez radicale pour marquer une rupture. Dans l’histoire de la musique, ce sont souvent les compositeurs qui innovent fortement ou qui ont une identité très distinctive qui restent. Contrairement à d’autres, Omer Letorey n’a pas d’œuvre devenue incontournable dans les conservatoires ou les salles de concert. Sans pièce emblématique, un compositeur a plus de mal à s’imposer durablement. La diffusion moderne passe beaucoup par les disques et aujourd’hui le streaming. Or, son catalogue est peu enregistré, donc peu accessible, ce qui entretient le cercle vicieux de l’oubli. Certains compositeurs sont portés après leur mort par des élèves, des institutions ou des chefs d’orchestre. Omer Letorey n’a pas bénéficié d’un tel “lobby artistique”.

 

The sacred song "Maria Mater Gratiae" by French composer Omer Letorey. The soloist is Stephen Schmall. This performance was recorded at high mass on May 5, 1991.

 

Georges Thill « La Fontaine de Caraouet » Edmond Rostand Omer Letorey Columbia LF 250 enegistré

 

La vie privée de Omer Letorey est assez discrète, et c’est en partie pour ça qu’il reste une figure peu connue aujourd’hui. On dispose de très peu d’informations détaillées sur sa vie personnelle (relations, famille, etc.), contrairement à des compositeurs comme Claude Debussy ou Maurice Ravel dont la correspondance et les témoignages ont été abondamment conservés et étudiés. Omer Letorey a été formé au Conservatoire de Paris, où il a ensuite fait carrière. Une grande partie de sa vie s’est déroulée dans ce cadre institutionnel, ce qui laisse penser à une existence assez stable et tournée vers le travail artistique et pédagogique. Contrairement à certains compositeurs de son époque, on ne lui connaît pas d’épisodes personnels très marquants (scandales, grandes passions médiatisées, exil, etc.). Cela ne veut pas dire qu’il n’en a pas eu, mais simplement qu’ils n’ont pas été documentés ou transmis. Le vrai problème, c’est surtout l’absence de documents accessibles : peu de lettres publiées, peu d’études biographiques approfondies. En histoire de la musique, ça joue énormément, ce qu’on ne documente pas finit souvent par disparaître. Sa vie privée reste largement dans l’ombre, non pas forcément parce qu’elle était vide ou banale, mais parce qu’elle n’a pas été conservée ni relayée.

 

https://fr.wikipedia.org/wiki/Omer_Letorey

le compositeur hongrois, franz lehar, aurait 156 ans aujourd’hui

 

Le 30 avril 1870, il y a 156 ans aujourd’hui, naissait à Komarom le compositeur hongrois, Franz Lehar.

 

Franz Lehár doit sa célébrité principalement à ses opérettes, un genre musical léger et très populaire au début du XXᵉ siècle. Son œuvre la plus célèbre est sans doute La Veuve joyeuse (1905), qui a connu un immense succès international. Cette opérette a marqué son époque grâce à ses mélodies très accrocheuses, son orchestration élégante et son mélange de romantisme et d’humour. Lehár est devenu une figure majeure de l’opérette viennoise, aux côtés de compositeurs comme Johann Strauss II. Ses œuvres ont contribué à renouveler le genre en y apportant plus de sophistication musicale et émotionnelle. Parmi ses autres opérettes connues, on peut citer Le Pays du sourire et Giuditta.

 

Franz Lehar. Giuditta «Meine Lippen, sie küssen so heiß». Anna Netrebko

 

Lehár: Vilja-Lied - Elina Garanca - 2025

 

Franz Lehár - Lippen schweigen - Diana Damrau & Jonas Kaufmann

 

Franz Lehar, Le pays du sourire, Act II: Final · Jacques Météhen Orchestra, Rudy Hirigoyen, Janine Ribot

 

 

première de « la demoiselle élue » de claude debussy, il y a 133 ans aujourd’hui

  

 

Le 8 avril 1893, il y a 133 ans aujourd’hui, était créé à Paris, le poème lyrique pour 2 voix de femme, chœur et orchestre de Claude Debussy.

 

« La Demoiselle élue » tient surtout à sa rupture discrète mais profonde avec les codes de son époque. Contrairement aux cantates traditionnelles, il n’y a presque pas d’action. Debussy privilégie une atmosphère contemplative, proche d’un tableau sonore inspiré du symbolisme et du préraphaélisme de Dante Gabriel Rossetti. Deux voix féminines (soprano et mezzo) et un chœur exclusivement féminin créent une couleur homogène, éthérée, presque irréelle, qui évoque le monde céleste. L’être aimé resté sur terre n’est jamais incarné directement. Il est seulement évoqué, ce qui renforce l’idée de distance, de rêve et d’irréalité — très novateur pour l’époque. Même si l’œuvre est encore de jeunesse, Debussy s’éloigne déjà des cadences traditionnelles et du discours dramatique classique. Il privilégie des enchaînements d’accords pour leur couleur, annonçant son style impressionniste. La musique semble ralentie, presque immobile. Il ne s’agit pas de tension et résolution, mais de flot continu, comme une méditation.

 

 

La Demoiselle élue, for soprano, mezzo-soprano, female chorus & orchestra, L. 62 (1887-88) reorchestrated 1902)

Librettist : Dante Gabriel Rossetti (1828-1882)

 

Montserrat Caballé, soprano & Janet Coster, mezzo-soprano and the Symphonica of London conducted by Wyn Morris

 

"La Damoiselle Elue", Lyric Poem after Dante Gabriel Rossetti by Claude Debussy

1. Beginning 2. Chorus "La Damoiselle Elue s'appuyait" 3. La Damoiselle: "Je voudrais qu'il fut déjà près de moi" 4. Chorus "La lumière tressaillit"

 

Maria Ewing (Damoiselle)

Brigitte Balleys (Récitante)

London Symphony Chorus & Orchestra

Claudio Abbado, conductor

 

En 1893, au moment où Debussy compose La Demoiselle élue, sa vie privée est assez complexe et marquée par des relations sentimentales instables, mais aussi par une période de formation artistique intense. À cette époque, Debussy est en couple  avec Gabrielle Dupont (qu’il surnomme « Gaby »). Ils vivent ensemble dans des conditions modestes, souvent dans une certaine précarité financière. Leur relation dure depuis la fin des années 1880, mais elle est déjà fragile. Debussy est connu pour être émotionnellement distant et parfois infidèle fréquente les milieux artistiques parisiens, notamment les symbolistes. Il est très influencé par des écrivains comme Dante Gabriel Rossetti dont le poème The Blessed Damozel inspire directement La Demoiselle élue. Il côtoie également des figures du monde littéraire et musical, ce qui nourrit son esthétique nouvelle, tournée vers l’impressionnisme. En 1893, Debussy n’est pas encore célèbre. Malgré son passage au Conservatoire de Paris et son Prix de Rome, il peine à vivre de sa musique. Il dépend parfois d’amis ou de mécènes, ce qui ajoute une tension dans sa vie personnelle. Sur le plan intime, Debussy est dans une phase de transition : il s’éloigne des conventions académiques et développe une voix très personnelle. Cette évolution artistique s’accompagne d’une certaine instabilité émotionnelle, visible dans ses relations et son mode de vie.

la clarinettiste allemande, sabine meyer, a 67 ans aujourd’hui

  

 

Le 30 mars 1959, il y a 67 ans aujourd’hui, naissait à Crailsheim, la clarinettiste allemande, Sabine Meyer.

 

Sabine Meyer est considérée comme l’une des plus grandes interprètes par la maîtrise parfaite de la clarinette (doigté, souffle, articulation), sa grande précision et pureté du son et sa capacité à jouer sur différents instruments de la famille (clarinette en si♭, en la, cor de basset), ce qui témoigne d’une polyvalence rare. Son jeu très chantant et nuancé est capable d’exprimer une large palette d’émotions, sa sonorité est réputée pour être à la fois chaleureuse, ronde et expressive, son sens du phrasé met en valeur la dimension lyrique de la clarinette. Son répertoire très vaste va du baroque à la musique contemporaine. Elle est à l’aise aussi bien en soliste qu’en musique de chambre, qu’elle pratique intensément. Invitée par les plus grands orchestres du monde, elle a  contribué à redonner à la clarinette une place centrale comme instrument soliste. 

 

Professeure reconnue, ayant formé de nombreux clarinettistes, elle a inspiré de nouvelles œuvres et redécouvert des répertoires oubliés. Son indépendance artistique (elle quitte rapidement l’orchestre pour une carrière solo) en fait une figure marquante dans un milieu longtemps dominé par les hommes. 

 

Armida Quartet and Sabine Meyer (clarinet) perform the clarinet quintet K581 in A major by Wolfgang Amadeus Mozart

00:00 Allegro 09:03 Larghetto 14:50 Menuetto - Trio I - Trio II 21:41 Allegretto con variazioni

 

27.04.2019 Kursaal, Meran

 

Ludwig van Beethoven, Trio E flat Major Clarinet, Violoncello and Piano, op. 38 “Grand Trio” (after the Septet, op. 20) (1805)

00:00 Titles 00:21 Adagio – Allegro con brio 09:45 Adagio cantabile 18:10 Tempo di Menuetto 21:12 Andante con Variazioni 27:50 Scherzo. Allegro molto e vivace 30:51 Andante con molto alla marcia – Presto

 

SABINE MEYER, CLARINET

SOL GABETTA, VIOLONCELLO

SEONG-JIN CHO, PIANO

 

filmed at Solsberg Festival 2020

 

 

Sabine Meyer a été, bien involontairement, à l'origine du départ de Karajan de l'Orchestre Philharmonique de Berlin. Le conflit couvait depuis quelque temps déjà entre le chef et l'orchestre attaché à son principe d'autogestion. La décision, unilatérale, du chef de nommer la clarinettiste comme soliste a été la goutte d'eau qui a fait déborder le vase !  

 

https://fr.wikipedia.org/wiki/Sabine_Meyer

le chef d’orchestre italien, arturo toscanini, aurait 159 ans aujourd’hui

  

 

Le 25 mars 1867, il y a 159 ans aujourd’hui, naissait à Parme, le chef d’orchestre italien, Arturo Toscanini

 

Considéré comme l’un des plus grands chefs d’orchestre de l’histoire, Arturo Toscanini insistait sur un respect absolu du texte musical. Contrairement à certains chefs plus “libres”, il refusait d’ajouter des effets personnels inutiles. Il cherchait à interpréter exactement ce que le compositeur avait écrit. Ses concerts étaient célèbres pour leur puissance émotionnelle. Il dirigeait avec une énergie presque électrique, capable de transmettre une tension dramatique très forte à l’orchestre et au public. Il possédait une mémoire et une oreille incroyables. On raconte qu’il pouvait diriger des œuvres entières par cœur et détecter la moindre erreur dans l’orchestre. Toscanini exigeait une précision extrême. Les musiciens devaient suivre ses indications au millimètre, ce qui donnait des exécutions très nettes, structurées et cohérentes. Il était aussi connu pour son intégrité : il refusait les compromis artistiques et s’opposait fermement aux régimes autoritaires, notamment au fascisme en Italie. Ses interprétations étaient réputées pour leur transparence : chaque ligne musicale était audible, même dans les passages les plus complexes. Toscanini combinait rigueur intellectuelle, intensité émotionnelle et exigence technique, ce qui a profondément influencé la direction d’orchestre moderne.

 

https://fr.wikipedia.org/wiki/Arturo_Toscanini

 

Ludwig van Beethoven, Symphonie n°9

 

Telecast live on April 3, 1948 over the NBC Television and Radio Networks. NBC Symphony conducted by Arturo Toscanini. Featuring the Robert Shaw Chorale, Anne McKnight: soprano; Jane Hobson: contralto; Irwin Dillon: tenor; and Norman Scott: bass.

 

Giuseppi Verdi Messa Da Requiem

1. Requiem and Kyrie 2. Dies irae: 3. Ofertorio 4. Sanctus 5. Agnus Dei 6. Lux aeterna 7. Libera me

 

Herva Nelli - soprano

Fedora Barbieri - mezzo-soprano

Giuseppe di Stefano - tenor

Cesare Siepi - bass Arturo Toscanini, conductor

 

NBC Symphony Orchestra

Robert Shaw Chorale Recorded

Arturo Toscanini, conductor

 

Live on January 27, 1951 in Carnegie Hall, New York

 

https://fr.wikipedia.org/wiki/Arturo_Toscanini

 

Toscanini considérait Horowitz comme un pianiste exceptionnel, l’un des plus grands de son époque. Il admirait particulièrement sa virtuosité spectaculaire, sa sensibilité musicale, sa capacité à interpréter des œuvres avec une intensité unique. Ils ont collaboré à plusieurs reprises, notamment dans des concertos, et ces performances sont restées célèbres. Horowitz a épousé Wanda Toscanini, la fille du chef. Cela a renforcé leur proximité, et Toscanini voyait en lui non seulement un artiste, mais aussi un membre de la famille. Toscanini était connu pour son caractère très strict et perfectionniste. Cela pouvait créer des tensions artistiques, des attentes extrêmement élevées envers Horowitz. Mais ces tensions n’étaient pas inhabituelles dans le monde musical, surtout avec un chef aussi exigeant. Leur collaboration la plus célèbre reste le Concerto n° 1 de Tchaïkovski, interprété ensemble dans les années 1940 avec l’orchestre de la NBC. Cet enregistrement est encore aujourd’hui considéré comme une référence.

 

Pyotr Ilych Tchaikovsky Piano Concerto No. 1 in B-flat minor, Op. 23

1. Allegro non troppo e molto maestoso – Allegro con spirito (00:03) 2. Andantino semplice – Prestissimo – Tempo I (19:07) 3. Allegro con fuoco – Molto meno mosso – Allegro vivo (24:55)

 

Vladimir Horowitz, pianist

NBC Symphony Orchestra

Arturo Toscanini, conductor

 

Recorded April 25, 1943 in Carnegie Hall, New York City